Alexandre Kantorow regresa al Ciclo de Grandes Intérpretes de Scherzo el próximo martes 12 de noviembre en la sala de cámara del Auditorio Nacional de Madrid a las 19:30. En su tercera visita a las series madrileñas de la Fundación Scherzo Alexandre tocará la Rapsodia op.79 n°1 de Brahms, Estudio de ejecución trascendental n° 12, Chasse Neige y Années de Pélerinage, 1 año, S.160 nº 6, Vallée d’Obermann, de Liszt, Rapsodia nº Op.1 de Bartók, Sonata n°1 op.28 de Rajmaninov y la transcripción para mano izquierda de Brahms de la Chacona de Bach. Alexandre debutó en el Ciclo de Jóvenes Intérpretes con apenas 19 años en 2016 siendo todavía una joven promesa, regresó en 2022 al ciclo principal convertido ya en una consolidada realidad y vuelve ahora consagrado como uno de los mejores pianistas en activo. Su próxima visita a España será en formato de música de cámara haciendo dúo con el chelista francés Gautier Capuçon con quie visitará las temporadas del CNDM y de la Sociedad Filarmónica de Bilbao los días 9 y 10 de junio de 2025 respectivamente.
En 2019, a los 22 años, Alexandre Kantorow se convirtió en el primer pianista francés en ganar el Primer Premio del Concurso Chaikovski, así como el Gran Premio, otorgado solo tres veces antes en la historia del concurso. Aclamado por los críticos como la «reencarnación de Liszt» (Fanfare Magazine), recibió el Premio Gilmore Artist 2024, considerado uno de los premios internacionales de piano más prestigiosos y que se otorga cada 4 años, siendo el primer artista francés y el ganador más joven en recibirlo. Alexandre Kantorow comenzó su carrera a temprana edad, debutando en La Folle Journée de Nantes con la Sinfonia Varsovia a los 16 años. Desde entonces, ha actuado con algunas de las orquestas más prestigiosas del mundo, entre ellas la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh con Manfred Honeck, la Royal Philharmonic Orchestra con Vasily Petrenko en los BBC Proms de Londres, la Orquesta Filarmónica de Radio France con John Eliot Gardiner, la Orquesta Mariinsky con Valery Gergiev y la Orquesta del Festival de Budapest con Iván Fischer. Alexandre Kantorow también ha actuado en prestigiosas giras internacionales con la Orquesta Filarmónica de Hong Kong y Jaap van Zweden, así como con la Orquesta Nacional de Francia y Cristian Măcelaru.
En cuanto a los recitales, Alexandre actúa en importantes salas de conciertos como el Stern Auditorium del Carnegie Hall de Nueva York, el Concertgebouw de Ámsterdam en su serie Master Pianists, el Konzerthaus de Viena, la Philharmonie de París, el Bozar de Bruselas, el Queen Elizabeth Hall y el Wigmore Hall de Londres, la City Opera de Tokio… y en los festivales más prestigiosos como La Roque d’Anthéron, el Ravinia Festival, el Verbier Festival, el Klavier-Festival Ruhr o el Festival Internacional de Música y Danza de Granada.
Entre los momentos más destacados de la temporada 2024/2025 destacan el debut de Alexandre con la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, una gira europea con la Orquesta Filarmónica de Múnich, bajo la dirección de Tugan Sokhiev, el debut con la Orchestre Metropolitain con Yannick Nézet-Séguin. También interpretará los Conciertos para piano núm. 1 y núm. 2 de Brahms con John Eliot Gardiner y la Orquesta Filarmónica de Radio France. Hará su debut en recitales en Asia, entre ellos Seúl, Pekín, Shanghái y Tokio. En música de cámara, actuará con Janine Jansen y realizará una gira con Gautier Capuçon.
Alexandre Kantorow graba en exclusiva para BIS. En 2022, ganó dos Diapason d’Or de l’Année por su disco de Brahms y su disco de Saint-Saëns (conciertos 1 y 2). Este último disco, que completa el conjunto completo de conciertos grabados con la Tapiola Sinfonietta bajo la dirección de Jean-Jacques Kantorow, ha sido aclamado por la crítica como una «versión de referencia de los conciertos de Saint-Saëns» (Resmusica). También fue seleccionado por la revista Gramophone en su «selección del editor». Sus dos grabaciones anteriores (los conciertos 3, 4 y 5 de Saint-Saëns y las obras solistas de Brahms, Bartok y Liszt) fueron galardonadas con el Diapason d’Or y el Choc Classica del año en 2019 y 2020. La revista Gramophone describe su interpretación como «otro ejemplo sobresaliente de su virtuosismo y su arte, mostrando tanto habilidad como sensibilidad de principio a fin». Su grabación de recital «à la Russe» también ganó numerosos premios y distinciones en 2017, entre ellos Choc de l’Année (Classica), Diapason Découverte, Supersonic (Pizzicata) y CD des Doppelmonats (PianoNews).
Es galardonado con el premio de la Fundación Safran y del Banque Populaire. En 2020, ganó dos premios en las Victoires de la Musique Classique: Grabación del año y Solista instrumental del año, este último también en 2024. En 2022, se convirtió en director artístico del festival “Les Rencontres Musicales de Nîmes” junto a la violinista Liya Petrova y el violonchelista Aurélien Pascal. En 2024, Alexandre Kantorow fue nombrado Caballero de la Orden Nacional del Mérito por el presidente francés. Dos años antes, en 2022, había sido honrado con el título de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el ministro de Cultura francés. En julio de 2024, Alexandre actuó en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de París. Alexandre Kantorow estudió con Pierre-Alain Volondat, Igor Lazko, Frank Braley y Rena Shereshevskaya.
Abraham Cupeiro presenta su proyecto PANGEA en Canadá, en la Metropolitan United Church de London este domingo 20 de octubre a las 19:30, y en el Glenn Gould Studio de Toronto el próximo martes 22 a las 20:00. Tras su extensa gira de conciertos por el Reino Unido con el proyecto Life on our Planet, que coronó ayer en el Barbican Center de Londres con la London Symphony Orchestra y tras subirse a algunos de los principales escenarios de la isla con orquestas como la Welsh National Opera Orchestra, City of Birmingham Symphony, Royal Northern Sinfonia, Manchester Camerata y Royal Scottish National Orchestra, Abraham se dirige a Ontario, Canadá, para retomar uno de sus proyectos emblemáticos como PANGEA.
Constructor y multiinstrumentista, lo que caracteriza a Abraham Cupeiro es la recuperación de instrumentos perdidos en el tiempo y utilizarlos para crear nuevas sonoridades e imbricarlos en músicas ajenas a ellos. Estudió trompeta en el RCSMM, y luego realizó un máster en Interpretación de la Música Antigua en la Universidad Autónoma de Barcelona. Sin embargo, aunque su formación es clásica, siempre se ha sentido atraído por todo tipo de músicas. Así, desde temprana edad ha formado parte de grupos de folk, jazz, música antigua. Como instrumentista, destaca por ser una de las pocas personas que toca el Karnyx (trompeta celta de la Edad de Hierro). Recientemente fue invitado para probar el Karnyx de Tintignac, que es el único que apareció entero en el año 2004. Ha rescatado del olvido instrumentos enraizados en la cultura clásica como el Aulós griego y el Cornu romano. Es además impulsor de un instrumento ancestral en la tradición gallega: la corna. Instrumento que su abuelo tocaba y que aparece en las iluminaciones de Alfonso X.
Su interés por la organología, le ha llevado a conseguir una colección de más de 200 instrumentos de todo el mundo y de distintas épocas. Es una colección que enseña a modo de concierto- monólogo bajo el nombre de Resonando en el Pasado. Abraham recupera y construye diversos instrumentos, e interpreta con ellos desde su música hasta música de hoy día, y los mezcla con formaciones modernas. Estas mezclas se pueden ver en su trabajo Compromiscuo con el acordeonista bielorruso Vadzim Yukhnevich, así como en obras escritas ex profeso para él como el Concierto Misterio de Wladimir Rosinsky junto a la Orquesta Sinfónica de Galicia. Otros compositores que han escrito para Abraham han sido Bernd Redman, Enrique Rueda o Mark Pogolski. Os Sons Esquecidos (Los sonidos olvidados) es un proyecto que fue grabado con la Filharmonía de Galicia bajo el sello Warner Classics. Tras su estreno, ha sido presentado con distintas orquestas de España, Europa y América.
En 2018 Abraham estrena un nuevo proyecto: PANGEA, que fue grabado en noviembre de 2019 con la Royal Philharmonic de Londres en los estudios Abbey Road, y salió en septiembre de 2020 bajo el sello Warner Classics y en 2024 lanzó la grabación de un nuevo proyecto, MYTHOS, de nuevo junto a la RPO, que se presentó en España con la Oviedo Filarmonía y esta temporada se podrá ver con la Orquesta Ciudad de Granada o la Sinfónica de Bilbao. Entre las orquestas con las que ha tocado se encuentran Sinfónica de Galicia, Real Filharmonía de Galicia, Royal Philharmonic, Mahler Chamber Orchestra, Filarmónica de Gran Canaria, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Orchestre National de Bretagne, Kymi Sinfonietta, Vaasa City Orchestra etc. Fue requerido por la violinista Patricia Kopatchinskaja para el proyecto Les Adieux, en La Philharmonie de Berlín y La Laeiszhalle de Hamburgo entre otras. Ha compuesto la banda sonora de la película María Solinha y colabora con la compañía 14th Street del oscarizado Hans Zimmer. Colabora habitualmente en los desfiles de Adolfo Domínguez realizando performances en directo. También trabaja para el proyecto de divulgación científica Neuston 3, que trata de sensibilizar a la población de la importancia del Océano en nuestras vidas.
Rocío Bazán participa como cantaora en una nueva producción de ballet sobre Bodas de Sangre, de Federico García Lorca, en la Ópera Real Danesa cantando fragmentos de El Amor Brujo de Falla, de las Canciones Populares Españolas, recopiladas y armonizadas por el propio Lorca, así como de música de nueva creación a cargo de Elena Abad y Mariano Abad Corral, responsables también de los arreglos de las canciones de Lorca. El equipo artístico lo componen en primer lugar la bailarina y coreógrafa Navarra Eukene Sagues, responsable de la coreografía y la puesta en escena; guion y dramaturgia, Astrid Øye; decorados, Palle Steen Christensen; vestuario Louis Kynd; e iluminación, Súni Joensen, con la Orquesta Real Danesa en el foso dirigida por Edo Frenkel. Las funciones son los días 9, 12, 13, 14, 16, 20, 21 y 22 de noviembre de 2024.
Rocío Bazán sintió la necesidad de expresar sus sentimientos a través del cante a muy temprana edad, como ya lo haría su bisabuelo José y su abuela materna Manuela. Su voz comenzaría a forjarse en las peñas flamencas y festivales de su tierra. La voz de Rocío va madurando al compás del tiempo, por lo que su trayectoria artística empieza a tener hitos importantes. Pronto comenzará a llegar el reconocimiento en forma de premios, entre ellos, El Premio Jóvenes Flamencos del Festival del Cante de las Minas en 1999 y sobre todo el galardón más preciado de la XII Bienal de Arte Flamenco de Sevilla, el Giraldillo, Jóvenes Intérpretes en 2002, por ser una cantaora de extensos registros.
Como solista ha exhibido su cante, su versatilidad y su saber estar en un escenario en cuatro de los cinco continentes, en lugares tan importantes y algunos tan peculiares como La Torre de David de Jerusalén, La Ópera de El Cairo, Auditórium Explanade de Singapur, Palau de la Música de Barcelona, City Center de New York, Teatro Travesiere de París, Cueva de Nerja de Málaga, Palacio de la Cultura de Sofía – Bulgaria, La Ópera de Pekín, Sadlers´s Wells de Londres o Jardines de Sabatini de Madrid entre muchos otros, con diversas propuestas y formaciones artísticas como solista con creaciones propias como Desde el Alma hasta la Boca, Málaga Cantaora, Intrépida o Jondura Sinfónica, además de intervenir como cantaora solista para representar una de las obras más destacadas de la música española como El Amor Brujo de Manuel de Falla junto a numerosas Orquestas Sinfónicas como la Orquesta Nacional de Andorra, Sinfónica Nacional Argentina, Filarmónica de Brno, Sinfónica del Sodre de Uruguay, Filarmónica de Málaga, Olthenia Filarmonic de Craiova o el Washington Post Classical Ensemble entre muchas otras.
Formando parte imprescindible del elenco de grandes espectáculos como: Cambio de Tercio, Gala Flamenca y Azul Vida de los bailarines y coreógrafos Rojas y Rodríguez, Dressed to Dance del bailarín y coreógrafo Carlos Chamorro, Andalucía, el Flamenco y la Humanidad del reconocido y genial bailaor Mario Maya, compartiendo así con grandes figuras de la escena flamenca tales como: Carmen Linares, José de la Tomasa, Marina Heredia, Antonio Canales, Karime Amaya en escenarios de grandes festivales como: Flamenco Festival USA, Festival “Voix de Femmes” de París, Flamenco Festival de Londres, Festival Flamenco de Luxemburgo, Festival Flamenco de Tampere, Festival de la Versiliana, Bienal Flamenco de Sevilla, Festival de Música y Danza de Granada, etc.
Enamorada de otras músicas, Rocío Bazán es una cantaora de largo recorrido dentro y fuera del flamenco. Una rara avis de la escena flamenca que conoce prácticamente todos los palos de este arte tan misterioso y cuya voz sugerente, llena de magnetismo y poderío tiene la capacidad evocadora de las voces más raciales que se hayan podido escuchar durante el último siglo XX.
Mahan Esfahani ofrece un recital en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona el próximo jueves 7 de noviembre a las 21:00 con un programa que incluye obras de Louis Andriessen, Viktor Kalabis, Bohuslav Martinů y Johann Sebastian Bach. El concierto forma parte de las actividades de la Fundación La Pedrera – Casa Milá en torno a la exposición Arte en Piedra, y que bajo el epígrafe Exposición Expandida buscan ofrecer nuevas miradas estableciendo diálogos con otras disciplinas artísticas como en este caso la música.
Mahan Esfahani se ha propuesto como meta vital rehabilitar el clavicémbalo como instrumento de concierto, y así, su creativa programación y el encargo de nuevas obras ha conseguido llamar la atención de la crítica y el público de toda Europa, Asia y América del Norte. Fue el primer y único clavecinista en ser Artista de Nueva Generación de la BBC (2008-2010), ha sido ganador del premio Borletti-Buitoni (2009) y nominado a Artista del Año de Gramophone (2014, 2015 y 2017). En 2022, se convirtió en el ganador más joven de la Medalla Wigmore, en reconocimiento a su importante contribución y su larga relación con el Wigmore Hall.
@Dolores Iglesias – Fundación March
Como clavecinista, Mahan ha ofrecido recitales en los principales ciclos y salas de conciertos, como el Wigmore Hall y el Barbican Centre de Londres, Oji Hall de Tokio, Forbidden City Concert Hall de Beijing, Shanghai Concert Hall, Carnegie Hall de Nueva York, Ópera de Sydney, Melbourne Recital Centre, Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles, Mostly Mozart Festival del Lincoln Center, Konzerthaus de Berlín, Tonhalle de Zurich, Konzerthaus de Wiener, San Francisco Performances, 92nd St Y, Festival de Música de Schleswig-Holstein, Filarmónica de Colonia, Festival Internacional de Edimburgo, Festival de Música de Aspen, Festival de Aldeburgh, Fundación Juan March de Madrid, Festival de Bergen, Festival Mecklenburg-Vorpommern, Festival Al Bustan en Beirut, Festival de las Artes de Jerusalén y Festival Bach de Leipzig. Asimismo, ha trabajado con la Sinfónica de Chicago, el Ensemble Modern, la BBC Sinfónica, Filarmónica Real de Liverpool, Sinfónica de Seattle, Sinfónica de Melbourne, Filarmónica de Auckland, Sinfónica de la Radio Checa, Orquesta de Navarra, Filarmónica de Malta, Orquesta La Scintilla, Sinfónica de Aarhus, Les Violons du Roy de Montreal, Sinfónica de Hamburgo, Orquesta de Cámara de Múnich, Britten Sinfonia, la Royal Northern Sinfonia y Los Angeles Chamber Orchestra, con quien fue socio artístico durante 2016-2018. La rica y variada discografía de Mahan incluye doce grabaciones aclamadas por la crítica para Hyperion y Deutsche Grammophon, que le valieron un premio Gramophone, dos premios BBC Music Magazine, un Diapason d’Or y un «Choc de Classica» en Francia, y dos ICMA.
Esfahani estudió musicología e historia en la Universidad de Stanford, donde entró en contacto por primera vez con el clavecín en la clase de Elaine Thornburgh. Tras tomar la decisión de abandonar las leyes por la música, estudió clavecín de forma privada en Boston con Peter Watchorn, antes de completar su formación con la célebre clavecinista checa Zuzana Růžičková. Después de un período de tres años como artista residente en el New College de Oxford, continúa su actividad académica como miembro honorario del Keble College de Oxford y como profesor de la Guildhall School of Music and Drama de Londres. Se le puede escuchar con frecuencia como comentarista en BBC Radio 3 y Radio 4 y como presentador de programas como Record Review, Building a Library y Sunday Feature, así como en programas en vivo con el popular matemático y presentador Marcus du Sautoy. Actualmente está trabajando en su cuarto documental para el programa dominical de la BBC, después de dos programas populares sobre temas como la historia temprana de los compositores afroamericanos en la esfera clásica o el desarrollo de la música orquestal en Azerbaiyán. Nacido en Teherán en 1984 y criado en Estados Unidos, vivió durante varios años en Milán y Londres antes de establecerse en Praga.
José Luis Gómez se pone al frente de la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia para ofrecer un programa que incluye el Concierto para violín de Mendelssohn con Ellinor D’Mellon como solista y la Cuarta Sinfonía, Romántica, de Anton Bruckner. El concierto tendrá lugar el próximo jueves, 31 de octubre en el Auditorio Víctor Villegas de Murcia a las 20:00 horas.
El director español de origen venezolano José Luis Gómez comenzó su carrera musical como violinista, pero atrajo la atención internacional en 2010 tras ganar en Fráncfort el Primer Premio del Concurso Internacional de Dirección Sir Georg Solti con una inusual unanimidad del jurado. La energía electrizante de Gómez, su talento y creatividad le valieron la ovación inmediata de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Fráncfort, de la que sería nombrado Director Asistente, un puesto creado especialmente para él por Paavo Järvi y la orquesta inmediatamente después de la conclusión del concurso. Gómez fue Director Principal de la Orquesta 1813 Teatro Sociale di Como entre 2012 y 2015 y en 2016 fue nombrado Director Musical de la Orquesta Sinfónica de Tucson, con la que recientemente renovó su contrato hasta la temporada 2023/24.
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Desde que José Luis Gómez tomó el mando en Tucson, se ha producido un importante incremento en el número de abonados y patrocinadores. Gómez ha trabajado con ahínco para introducir nuevas y emocionantes actividades de divulgación mientras continúa apoyando y desarrollando los proyectos educativos existentes de la orquesta. Ejerce además de paladín de muchos compositores sudamericanos menos conocidos, cuyas obras programa inteligentemente junto a otros autores clásicos. Del mismo modo, ha sido responsable del encargo de nuevas composiciones, como el nuevo concierto para trompeta de Arturo Márquez, cuyo estreno en los EE. UU. se llevó a cabo en 2019 con Pacho Flores y la Orquesta Sinfónica de Tucson bajo la batuta de Gómez. En el continente americano mantiene una estrecha relación con la Sinfónica de Edmonton y ha trabajado con orquestas como la Sinfónica de Houston, National Arts Centre Orchestra de Ottawa, sinfónicas de Vancouver, Colorado, Grand Rapids, Winnipeg y Alabama, Orquesta de Cámara de san Antonio, filarmónicas de Rochester, Louisiana, Pasadena y Elgin, e hizo su debut en el Carnegie Hall con la International Youth Philharmonic. En el cono sur ha trabajado con la Orquestra Sinfônica Brasileira, Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Orquesta Nacional de Perú.
José Luis Gómez ha tenido una intensa actividad en Europa, donde ha dirigido orquestas como la Sinfónica de RTVE, Weimar Staatskapelle Orchestra, Royal Scottish National Orchestra, Royal Liverpool Philharmonic, Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, Sinfónica de Hamburgo, Karlsruhe Staatstheater Orchester, Basel Sinfonietta, Orquestra Sinfônica do Porto, Sinfónica de Castilla y Leon, Pomeriggi Musicali de Milán, Sinfonía Varsovia, SWR Radio Sinfonie-Orchester Stuttgart, Orquesta Sinfónica de Tenerife o la Filarmónica de Málaga. En 2019 hizo un exitoso debut en la Komische Oper de Berlín con Gabriela Montero como solista. Recientemente dirigió una gira por Bélgica con la Sinfónica de Flandes y Johannes Moser como solista. En Australasia se ha puesto al frente de la Macau Orchestra con Nemanja Radulovic, New Zealand Symphony, Australian National Academy of Music, Dunedin Symphony Orchestra, National Taiwan Symphony Orchestra y Daegu Symphony Orchestra, entre otras. Otras actuaciones memorables incluyeron debuts con el Conservatorio Estatal de Moscú, el concierto de Nochevieja ampliamente televisado en Sofía y con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt en sus conciertos de Año Nuevo y algunos compromisos venideros incluyen la National Symphony Orchestra de Washington DC (Programa con Yo Yo Ma y Paquito de Rivera), Indianapolis Symphony Orchestra (Con Stephen Hough, piano), o las sinfónicas del Pacífico, Colorado y Phoenix.
En el terreno operístico destacan La Bohème en la Ópera de Fráncfort y una nueva producción de La Cenerentola de Rossini en la Ópera de Stuttgart, La Forza del Destino en Tokio con el New National Theatre, Don Carlo y Norma en The State Opera en Tbilisi, Georgia, La Traviata en versión de concierto con la Filarmónica de Sacramento, o Le Nozze di Figaro y Don Giovanni en el Teatro Sociale di Como, donde también cerró la temporada con una producción espectacular de Cavalleria Rusticana. Ha grabado el Concierto nº 2 para banjo y orquesta ‘Juno Concerto’ de Bela Fleck con la Orquesta Sinfónica de Colorado y dirigido a la Sinfónica de Hamburgo y al talentoso joven clarinetista Vladimir Soltan en el lanzamiento de un álbum para MGD que recoge los conciertos para clarinete de Nielson, Françaix y Debussy.
Johannes Moser protagoniza el estreno en España del Concierto para violonchelo de Detlev Glanert junto a la Orquesta Sinfónica de Galicia bajo la dirección de Anna Rakitina. Los conciertos será los próximos jueves 24 y viernes 25 de octubre en el Auditorio de Ferrol a las 20:30 y el Palacio de la Ópera de A Coruña a las 20:00 respectivamente. Ese concierto de Glanert tuvo su estreno mundial a comienzos de este mismo año, el 19 de enero de 2024, en Luxemburgo, con Johannes en la parte solista por supuesto, la Orchestre Philharmonique du Luxembourg y Gustavo Gimeno, y los mismo protagonistas ofrecieron el estreno alemán dos días después en la Philharmonie de Colonia. El estreno norteamericano tuvo lugar en el mes de marzo en Canadá, con la Toronto Symphony Orchestra y Osmo Vänskä, por tanto este estreno en España es la cuarta primera interpretación en un territorio.
También en febrero de este mismo año estrenó en Alemania el concierto para violonchelo y orquesta de Bernd Richard Deutsch junto a la hr-Sinfonieorchester, Orquesta de la Radio de Frankfurt. Este concierto es resultado de un encargo realizado por la mencionada orquesta de Frankfurt junto a la Tonkünstler-Orchester Niederösterreich, con la que lo estrenó ya en 2020 en la Gran Sala del Musikeverein bajo la dirección de Yutaka Sado, y en 2017 estrenó también Story Teller, concierto para violoncello de Johannes Kalitzke con la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin bajo la dirección del propio compositor, grabado en el sello KAIRÓS con los mismos protagonistas. Y el próximo mes de mayo de 2025 estrenará con la San Francisco Symphony del nuevo concierto de Anna Thorvaldsdottir, que a lo largo de la temporada 25/26 tendrá sus estrenos en Islandia, Finlandia y Dinamarca.
Aclamado por la revista Gramophone como «uno de los mejores entre la asombrosa galería de jóvenes violonchelistas virtuosos», el chelista germano-canadiense Johannes Moser ha tocado con las orquestas más importantes del mundo como las Filarmónicas de Berlín, Nueva York, Los Ángeles, de la BBC en los Proms, Sinfónicas de Chicago, Londres, de la Radio Bávara, Concertgebouw, Tonhalle Orchestra de Zurich, Tokyo NHK Symphony, Orquestas de Philadelphia y Cleveland, etc., y con directores como Riccardo Muti, Lorin Maazel, Mariss Jansons, Valery Gergiev, Zubin Mehta, Vladimir Jurowski, Franz Welser-Möst, Christian Thielemann, Pierre Boulez, Paavo Jarvi, Semyon Bychkov, Yannick Nézet-Séguin o Gustavo Dudamel.
Sus grabaciones incluyen los conciertos de Dvořák, Lalo, Elgar, Lutosławski, Dutilleux, Tchaikovsky, Thomas Olesen y Fabrice Bollon (Electric Cello), que han ganado el prestigioso Preis der Deutschen Schallplattenkritik y el Diapason d’Or. En 2022, Johannes Moser publicó un nuevo álbum muy innovador en el sello Platoon con seis nuevos encargos para violonchelo eléctrico, junto con arreglos de obras para conjunto de violonchelos con tecnología de audio de DOLBY ATMOS de varias capas, sobre la que The Strad comentó: «No se puede cuestionar la ambición de Moser, ni el puro sentido del brío con el que lo consigue todo…». Alone Together es uno de los primeros álbumes de música clásica que utiliza el multi-tracking de forma tan amplia.
En la temporada 2024/25, Johannes interpretará el estreno mundial del Concierto para violonchelo de Anna Thorvaldsdottir con la Sinfónica de San Francisco (Stasevska), el Concierto para violonchelo n.º 1 de Saint-Saëns en sus debuts con la Sinfónica de Detroit (Chauhan) y con la Orquesta Sinfónica de Sídney (Petrenko) en cuatro actuaciones en la Ópera de Sídney. Johannes también volverá a la Orquesta Sinfónica de Chicago (Slobodeniouk) en el Concierto para violonchelo de Lutosławski. En Europa, Johannes actuará con la Deutsches Sinfonie-Orchester Berlin (Poschner) en el Concierto para violonchelo Upon a moment’s shallow rim de Philipp Maintz, con la Sinfónica de Galicia (Rakitina) en el Concierto para violonchelo y orquesta de Detlev Glanert y con la Orquesta Sinfónica de Malmö en Malmö Live (Gabel) en el Concierto para violonchelo de Dvořák. Johannes también hará una gira por Bélgica con la Symfonieorkest Vlaanderen (Koncz) en el Concierto para violonchelo de Elgar y participará en el Kissinger Sommer Festival con la Orchestre Philharmonique Royal de Liège (Bringuier) en el Concierto para violonchelo de Dvorak.
Dedicado músico de cámara, Johannes ha actuado con Emanuel Axe, Joshua Bell, Jonathan Biss, James Ehnes, Vadim Gluzman, Leonidas Kavakos, Midori, Menahem Pressler o Yevgeny Sudbin, y es un invitado habitual en festivales como Verbier, Schleswig-Holstein, Gstaad y Kissinger, Mehta Chamber Music Festival y los festivales de música de Colorado, Seattle y Brevard. Reconocido por sus esfuerzos para expandir el alcance del género clásico, así como por su apasionada dedicación a la nueva música, recientemente Moser se ha involucrado a fondo en encargos de nuevas obras a compositores como Julia Wolfe, Ellen Reid, Thomas Agerfeld Olesen, Johannes Kalitzke, Jelena Firsowa, Andrew Norman, Johannes Kalitzke, Detlev Glanert, Bernd Richard Deutsch o Anna Thorvaldsdottir. En 2011 estrenó Magnetar para violonchelo eléctrico de Enrico Chapela con la Filarmónica de Los Ángeles dirigida por Gustavo Dudamel, y en la siguiente temporada continuó esta relación con la orquesta interpretando el concierto para violonchelo Up-close de Michel van der Aa. A lo largo de su carrera, Moser ha tratado de llegar a todos los públicos, desde el jardín de infancia a la universidad, combinando en la mayoría de sus compromisos los conciertos con clases magistrales, visitas a escuelas y charlas antes de los conciertos.
Nacido en 1979 en una familia de músicos, Johannes comenzó a estudiar el violonchelo a la edad de ocho años y se convirtió en alumno del profesor David Geringas en 1997. Fue el ganador del primer premio en el Concurso Tchaikovsky 2002, además de recibir el Premio Especial por su interpretación de las Variaciones rococó. En 2014 fue galardonado con el prestigioso premio Brahms. Johannes Moser toca un cello Andrea Guarneri de 1694 cedido por un coleccionista privado.
Delyana Lazarova debuta al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional de México con un programa que incluye Fantasía Homenaje a Schubert, de Dobrinka Tabakova, que es estreno en México, la Sinfonía nº 5 de Schubert y la Sinfonía nº 5 de Prokofiev. Los conciertos tendrán lugar en el Palacio de Bellas Artes los próximos días viernes 18 y 20 de octubre a las 20:00 y 12:15 horas respectivamente. Delyana llega a México directamente desde São Paulo donde dirigió varios conciertos al frente de la Kammerorchester Basel tras iniciar la temporada en el Concurso Internacional George Enescu y haber dirigido la Orchestre Philharmonique de Strasbourg y la Nordwestdeutsche Philharmonie.
Esta temporada debutará además con la Royal Philharmonic Orchestra, la hr-Sinfonieorchester, la Orquesta Sinfónica de Tenerife y la Orchestre de Chambre de Lausanne, y dirigirá la Sinfónica de Malmö y la Orquestra Sinfonica do Estado de São Paulo. También trabajará por primera vez con la Royal Northern Sinfonia y volverá a ser invitada a la Hallé Orchestra de Manchester, la Orchestre National Bordeaux Aquitaine y la Orchestre National de Lille, entre otras.
Photo: Marco Borggreve
En las últimas temporadas, Delyana Lazarova ha trabajado con orquestas como la Minnesota Orchestra, Philharmonia Orchestra, BBC Philharmonic Orchestra, City of Birmingham Symphony Orchestra, Orchestre National de France, Orchestre National de Lille, Göteborgs Symfoniker, Fort Worth Symphony, NDR Radiophilharmonie, Staatsorchester Darmstadt, WDR Funkhausorchester, Real Filharmonía de Galicia, Sinfónica de Navarra, Kammerorchester Basel, Klangforum Wien, Musikkollegium Winterthur, Orquesta del Festival de Estonia y la Orquesta de la Academia de Dirección de Aspen.
Después de ganar la primera edición del Concurso Internacional Siemens Hallé de Dirección de Orquesta en febrero de 2020, Delyana Lazarova fue directora asistente de Sir Mark Elder en la Orquesta Hallé y directora musical de la Orquesta Juvenil Hallé en Manchester de 2020 a 2023. Fue también asistente de Cristian Măcelaru en la Orquesta Sinfónica WDR de Colonia y la Orquesta Nacional de Francia. En 2020, ganó el Premio de Dirección James Conlon en el prestigioso Festival de Música de Aspen, y éxitos anteriores incluyen el Concurso Internacional de Dirección de NRTA en 2019 y la Beca de Dirección Bruno Walter en el Festival de Música Contemporánea de Cabrillo en California en 2017 y 2018.
Delyana estudió dirección en la Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) con el profesor Johannes Schlaefli. Asistió a numerosas clases magistrales con Bernard Haitink, Paavo Järvi, Leonard Slatkin, Mark Stringer, Robert Spano y Mathias Pintscher, entre otros. Además de su master en dirección, es una violinista consumada con un máster y diploma de interpretación de la Escuela de Música Jacobs en Indiana, donde estudió con Mauricio Fuks y recibió una beca por su excelencia artística.
Christian Vásquez dirige la Tucson Symphony Orchestra en el Linda Ronstadt Music Hall los próximos 18 y 20 de octubre a las 19:30 y 14:00 respectivamente con un programa que incluye el estreno en EEUU de Ángel de Luz, concierto para percusión de la compositora canaria Laura Vega, con los percusionistas de la propia orquesta, Trevor Barroero y Fred Morgan, como solistas. Junto a la obra de Vega sonarán también Margariteña, de Inocente Carreño, Finlandia de Sibelius y las Variaciones Enigma de Elgar.
Christian Vásquez fue Director Musical de la Orquesta Sinfónica Teresa Carreño de Venezuela, a la que dirigió en una notable gira por Europa que los llevó a Londres, Lisboa, Toulouse, Múnich, Estocolmo y Estambul. Ha sido también Director Titular de la Orquesta Sinfónica de Stavanger entre 2013 y 2019 y Principal Director Invitado de la Het Gelders Orkest de 2015 a 2020, cargo que inició en una gira por los Países Bajos con un programa latino.
Tras su debut con la Orquesta Sinfónica de Gävle en octubre de 2009, una de sus primeras apariciones en Europa, Christian Vásquez fue nombrado su Principal Director Invitado, cargo que desempeñó entre 2010 y 2013. Ha trabajado con la Philharmonia Orchestra, Residentie Orkest, Orchestre de la Suisse Romande, Sinfónica de la Radio de Viena, Camerata de Salzburgo, Sinfónica Estatal de Rusia, Filarmónica de Tokyo o Sinfónica de Singapur. En Norteamérica ha dirigido la National Arts Centre Orchestra (Ottawa) y Filarmónica de Los Ángeles, durante su participación en su Young Artist Fellowship programme.
Desde entonces ha dirigido orquestas como la Royal Northern Sinfonia, Orchestre National du Capitole de Toulouse, Sinfónica de Galicia, Berlin Konzerthausorchester, Sinfónica de la Radio de Praga, Festival Beethoven de Varsovia, Filarmónica de Turku, Filarmónica de Luxemburgo, Sinfónica de la Radio de Praga, Filarmónica de Poznan, Filarmónica de Rotterdam, Sinfónica de New Jersey, Filarmónica de Helsinki, Orquesta Sinfónica Nacional de México, Sinfónica de Basilea, Filarmónica de Múnich, Filarmónica de Gran Canaria, Orquesta Nacional de Estonia, Orquesta Real Danesa, Orquesta de la Radio de Noruega o la Orquesta Nacional de la RTE de Irlanda. Su primer compromiso operístico en Europa fue en la Ópera de Noruega con Carmen. Próximos compromisos incluyen la Opéra National de Paris como asistente de Gustavo Dudamel y conciertos en Polonia, España, Noruega, Israel, Corea, EEUU, etc.
Christian Vásquez inició el aprendizaje del violín a la edad de 8 años, en la ciudad de San Sebastián de los Reyes, estado Aragua. En 2006 comenzó sus estudios de dirección orquestal bajo la tutela del maestro José Antonio Abreu, y ese mismo año fue nombrado director musical de la Sinfónica Juvenil José Félix Ribas, del estado Aragua.
Perry So inaugura su tercera temporada de abono como Director Musical y Artístico de la Orquesta Sinfónica de Navarra, y lo hace con un programa que incluye el Concierto para piano n.2 en Sol Mayor, op. 44 de Chaikovski, para el que cuenta con Elisabeth Leonskaja como solista, y una selección de Las criaturas de Prometeo, op. 43, de Beethoven. Los conciertos tendrá lugar el 10 y 11 de octubre en Pamplona y Tudela. Hace apenas unos días, el 22 de septiembre, Perry So inauguraba también su primera temporada de abono como Director Musical de la New Haven Symphony Orchestra, en esa ocasión con la Sinfonía nº 9 de Beethoven y Gathering Son, breve obra para barítono y orquesta de Courtney Brian.
Perry So nació en 1982 en Hong Kong, donde recibió su temprana formación en piano, órgano, violín, viola y composición. Se licenció en Literatura por la Universidad de Yale con una especialización en música y literatura centroeuropeas del período modernista, período en el que fundó una orquesta académica y dirigió la compañía de ópera de la universidad. Cursó estudios de dirección inicialmente con James Sinclair y más tarde con Gustav Meier en el Peabody Institute de Baltimore. En 2008 recibió el Primer Premio y el Premio Especial en la 5ª Edición del Concurso Internacional Prokofiev de Dirección de San Petersburgo. Tras este reconocimiento fue nombrado Asistente de Dirección y luego Director Asociado de la Filarmónica de Hong Kong, Gustavo Dudamel Conducting Fellow en la Filarmónica de Los Ángeles, colaborador artístico de la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, y miembro del Departamento de Dirección de Orquesta de la Manhattan School of Music.
En recientes temporadas, Perry So ha debutado con la Sinfónica de San Francisco, así como hecho su debut operístico en Europa con la Royal Danish Opera y La flauta mágica. Algunas actuaciones destacadas incluyen una gira a Italia con la Sinfónica de Nuremberg y una gira de siete semanas por Sudáfrica al frente de tres orquestas distintas en la que dirigió el Réquiem de Verdi. Otros debuts en los últimos años incluyen apariciones con las Orquestas de Cleveland y Minnesota, las orquestas sinfónicas de Navarra, Málaga, Tenerife, Nuremberg, Israel, Nueva Zelanda, Houston, Detroit, Nueva Jersey y Shanghái, las Filarmónicas de Londres, Szezcin, Seúl y China, la Residentie Orkest de La Haya y la Staatsorchester Rheinische Philharmonie de Koblenz. En 2013 realizó una gira por la Península Balcánica al frente de la Filarmónica de Zagreb en la primera serie de intercambios culturales establecidos tras la desintegración de Yugoslavia.
Su trabajo en el estudio de grabación abarca una amplia muestra de música británica, francesa y rusa del siglo XX con la Orquesta Nacional de Gales de la BBC y la Orquesta de Conciertos de la BBC, y su álbum de Conciertos para violín de Barber y Korngold con Alexander Gilman y la Filarmónica de Ciudad del Cabo recibió el Diapason d’Or en 2012. Sus amplios intereses musicales comprenden numerosos estrenos mundiales en cuatro continentes, así como la reintroducción del repertorio renacentista y barroco en los programas sinfónicos, sobre todo defendiendo las obras de Jean-Philippe Rameau. Su trabajo con jóvenes músicos lo ha llevado a la Orquesta Juvenil Australiana, la Orquesta Nacional Juvenil de Canadá, el Festival Round Top, la Escuela de Música de Manhattan, la Academia de Artes Escénicas de Hong Kong y la Escuela de Música de Yale.
Christian Vásquez regresa una vez más a la Orchestre Pasdeloup de París que en esta ocasión une fuerzas con diversos coros como el Coro de Cámara de Versalles, al Coro Euphonia y al Coro de Estudiantes Cantores del CRR del 92 para afrontar un repertorio que incluye Vellum, de Justina Repečkaitė (estreno en Francia), Preludio y muerte de Isolda de Richard Wagner, Cenicienta, fragmentos de la Suite nº 1: introducción, mazurca, vals y medianoche, de Sergei Prokofiev, Pavane de Gabriel Fauré y Dafnis y Cloe, suite con coro, de Maurice Ravel. Encargada por el empresario Serge de Diaghilev, Dafnis y Cloe, inspirada en la novela griega del mismo nombre, es un desafío a la modernidad. Concebida como una sinfonía coreográfica para orquesta, incluye coros sin palabras, algo inédito en la música de ballet. Compuesto durante la Segunda Guerra Mundial, el ballet Cenicienta, de Sergei Prokofiev, nos sumerge en el corazón de un famoso cuento cuyas diversas versiones e interpretaciones se remontan a la Antigüedad y a lugares tan lejanos como Asia. En su pieza Vellum, estreno en Francia, la compositora lituana Justina Repečkaitė hace referencia a la vitela, un pergamino muy utilizado en la época medieval. Su pieza alude así al proceso por el que una palabra trazada sobre un trozo de pergamino lo transforma en un manuscrito. También Wagner encontró su inspiración en la Edad Media. La historia de su ópera Tristán e Isolda, impactante por su línea melódica ininterrumpida y su acorde crepuscular, está tomada de una leyenda celta medieval. En los salones de la «Tout-Paris», Wagner era constantemente admirado, aunque algunos músicos tomaran otros caminos y otras inspiraciones. La Pavane de Gabriel Fauré, por ejemplo, es un verdadero «retrato musical» de la condesa Elisabeth Greffable, conocida como el modelo para el personaje de la duquesa de Guermantes de Marcel Proust en En busca del tiempo perdido.
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