Tras un concierto en la Elbphilharmonie de Hamburgo el pasado viernes 17 de abril en que tocó obras actuales para clave de Henze, Jinwook Jung, Marcus Rock, Poul Ruders, Luc Ferrari, György Ligeti, Nilufar Habibian o Miroslav Srnka, Mahan Esfahani pasa el mes de mayo en Múnich para los ensayos y funciones del estreno absoluto de Of One Blood, ópera de Brett Dean, en la Bayerische Staatsoper, bajo la direcciónn de Vladimir Jurowski y Claus Guth, con cuatro funciones. La primera tuvo lugar este pasado domingo, día 10, y las próximas serán pasado mañana, jueves, 14, y nuevamente domingo 17 y jueves 21 de mayo. Entretanto aún tendrá tiempo de ofrecer un concierto en el Wigmore Hall en torno a la obra de uno de sus compositores fetiche, Domenico Scarlatti, en esta ocasión acompañado también de algunas piezas de Girolamo Frescobaldi y de João de Sousa Carvalho, será el día 18 de mayo.
El mes de junio Mahan se repartirá entre Leipzig, Utrecht y Munich, desde donde viajará a España para debutar en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada. Como artista residente del Bachfest Leipzig, Mahan ofrecerá hasta siete conciertos y recitales repartidos a lo largo de los días 12, 14, 15, 16 y 19 de junio. En Utrecht participará en el Dordrecht Bachfestival en el que ofrecerá dos conciertos los días 20 y 21 antes de regresar a la Bayerische Staatsoper de Múnich para una nueva tanda de funciones de Of One Blood, de Dean los días 27 y 29. Junio será también el mes de la presentación del IX volumen de su integral de la obra para teclado de Bach que está publicando en el sello Hyperion, éste dedicado a los conciertos. y en el que estará acompañado de la Britten Sinfonia. En Granada, ya en julio, en concreto el día 4, será el protagonista absoluto de un maratoniano programa en que abordará nada menos que cuatro conciertos españoles modernos para clave debidos a Sánchez-Verdú, Alberto Carretero, Jesús Villa-Rojo y, naturalmente, el de Manuel de Falla, que cumple 100 años.
Perry So dirige a la New Haven Symphony en un concierto de gala al aire libre con un programa 100% español que incluye El Amor Brujo de Falla, con la mezzo Adriana Zabala, y la Fantasía para un Gentilhombre de Joaquín Rodrigo con la guitarrista Andrea González Caballero, y que tendrá lugar el próximo viernes 15 de mayo a las 19:30 and los jardines de The Estate en New Haven. Perry So compagina la titularidad de la New Haven Symphony Orchestra, cargo que desempeña desde la temporada 2024/25, con la titularidad y dirección artística de la Orquesta Sinfónica de Navarra, con la que ha renovado recientemente.
Perry So nació en 1982 en Hong Kong, donde recibió su temprana formación en piano, órgano, violín, viola y composición. Se licenció en Literatura por la Universidad de Yale con una especialización en música y literatura centroeuropeas del período modernista, período en el que fundó una orquesta académica y dirigió la compañía de ópera de la universidad. Cursó estudios de dirección inicialmente con James Sinclair y más tarde con Gustav Meier en el Peabody Institute de Baltimore. En 2008 recibió el Primer Premio y el Premio Especial en la 5ª Edición del Concurso Internacional Prokofiev de Dirección de San Petersburgo. Tras este reconocimiento fue nombrado Asistente de Dirección y luego Director Asociado de la Filarmónica de Hong Kong, Gustavo Dudamel Conducting Fellow en la Filarmónica de Los Ángeles, colaborador artístico de la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, y miembro del Departamento de Dirección de Orquesta de la Manhattan School of Music.
En recientes temporadas, Perry So hizo su debut en la temporada de la Sinfónica de San Francisco, y su debut operístico en Europa con la Royal Danish Opera y La flauta mágica. Algunas actuaciones destacadas incluyen una gira a Italia con la Sinfónica de Nuremberg y una gira de siete semanas por Sudáfrica al frente de tres orquestas distintas en la que dirigió el Réquiem de Verdi. Otros debuts en los últimos años incluyen apariciones con las Orquestas de Cleveland y Minnesota, las orquestas sinfónicas de Navarra, Tenerife, Nuremberg, Israel, Nueva Zelanda, Houston, Detroit, Nueva Jersey y Shanghái, las Filarmónicas de Londres, Szezcin, Málaga, Seúl y China, la Residentie Orkest de La Haya y la Staatsorchester Rheinische Philharmonie de Koblenz. Dirigió una gira por la Península Balcánica al frente de la Filarmónica de Zagreb y más recientemente dirigió a la Orquesta de Wuppertal tanto n repertorio sinfónico como en ópera, con Don Giovanni de Mozart. También dirigió La Traviata en Baluarte y en el Kursaal de San Sebastián.
Su trabajo en el estudio de grabación abarca una amplia muestra de música británica, francesa y rusa del siglo XX con la Orquesta Nacional de Gales de la BBC y la Orquesta de Conciertos de la BBC, y su álbum de Conciertos para violín de Barber y Korngold con Alexander Gilman y la Filarmónica de Ciudad del Cabo recibió el Diapason d’Or en 2012. Sus amplios intereses musicales comprenden numerosos estrenos mundiales en cuatro continentes, así como la reintroducción del repertorio renacentista y barroco en los programas sinfónicos, sobre todo defendiendo las obras de Jean-Philippe Rameau. Su trabajo con jóvenes músicos lo ha llevado a la Orquesta Juvenil Australiana, la Orquesta Nacional Juvenil de Canadá, el Festival Round Top, la Escuela de Música de Manhattan, la Academia de Artes Escénicas de Hong Kong y la Escuela de Música de Yale.
Mahan Esfahani toca en la Elbphilharmonie de Hamburgo este viernes 17 de abril a las 19:30, el programa está compuesto por obras actuales para clave de Hans Werner Henze (1926–2012) Six Absences (1961); tres miniaturas de Jinwook Jung (*1994) Les Lotophages (2021), Marcus Rock (*1997) Codex (2024) y Poul Ruders (*1949) Quickstep Rag (2023); Luc Ferrari (1929–2005) Programme Commun für Cembalo und Tonband (1972); György Ligeti (1923–2006) Hungarian Rock / Chaconne für Cembalo (1978); Nilufar Habibian (*1981) Virani für Cembalo und Tape (2026, estreno mundial, encargo de la Elbphilharmonie de Hamburgo); y Miroslav Srnka (*1975) Triggering für Cembalo (2018).
El resto del mes de abril y buen parte de mayo los pasará en Múnich para los ensayos y funciones del estreno absoluto de Of One Blood, ópera de Brett Dean, en la Bayerische Staatsoper, con cuatro funciones que tendrán lugar los días 10, 14, 17 y 21 de mayo. Entretanto aún tendrá tiempo de ofrecer un concierto en el Wigmore Hall en torno a la obra de uno de sus compositores fetiche, Domenico Scarlatti, en esta ocasión acompañado también de algunas piezas de Girolamo Frescobaldi y de João de Sousa Carvalho, será el día 18 de mayo.
El mes de junio se repartirá entre Leipzig, Utrecht y Munich, desde donde viajará a España para debutar en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada. Como artista residente del Bachfest Leipzig, Mahan ofrecerá hasta siete conciertos y recitales repartidos a lo largo de los días 12, 14, 15, 16 y 19 de junio. En Utrecht participará en el Dordrecht Bachfestival en el que ofrecerá dos conciertos los días 20 y 21 antes de regresar a la Bayerische Staatsoper de Múnich para una nueva tanda de funciones de Of One Blood, de Dean los días 27 y 29. Junio será también el mes de la presentación del IX volumen de su integral de la obra para teclado de Bach que está publicando en el sello Hyperion, éste dedicado a los conciertos. y en el que estará acompañado de la Britten Sinfonia. En Granada, ya en julio, en concreto el día 4, será el protagonista absoluto de un maratoniano programa en que abordará nada menos que cuatro conciertos españoles modernos para clave debidos a Sánchez-Verdú, Alberto Carretero, Jesús Villa-Rojo y, naturalmente, el de Manuel de Falla, que cumple 100 años.
Enrico Onofri vuelve a interpretar la Pasión según San Mateo de Bach en una gira de Semana Santa por los Países Bajos con la Symfonieorkest van het Zuiden, Orquesta Sinfónica del Sur, más conocida por su acrónimo, la Philzuid. Un año después de dirigir la Pasión según San Mateo con la Orchestre national Auvergne Rhône-Alpes en el Théâtre des Champs-Élysées de París, Enrico Onofri, que viene de dirigir nueve funciones de Idomeneo, de Mozart en La Monnaie de Bruselas, vuelve a abordar esta obra monumental del repertorio de Bach junto a la Orquesta Philzuid y un distinguido elenco, con motivo de una gira por los Países Bajos durante la Semana Santa. Si dirigir una de las pasiones de Bach ya es un ritual en sí mismo, hacerlo en el norte de Europa te acerca aún más al corazón de esta obra, gracias a la tradición interpretativa profundamente arraigada y casi sagrada que se percibe con tanta fuerza en los Países Bajos, comenta el maestro. La gira tendrá lugar en el Theater aan het Vrijthof, de Maastricht, el jueves 2 de abril; en el Maaspoort, de Venlo, el viernes 3 de abril; y en el Muziekgebouw, de Eindhoven, el sábado 4 de abril.
https://youtu.be/RxM6iGJXtkM?si=goUpO3e5n-3Qubqd
El elenco de cantantes que acompañará a Enrico Onofri en esta obra son Tenor/Evangelista: Daniel Johannsen; Barítono/Arias: Krešimir Stražanac; Soprano: Valentina Farcas; Contralto: Stefanie Iranyi; Tenor/Arias: Rodrigo Carreto; Bajo/Cristo: Thomas Stimmel; el Coro: Studium Chorale, dirigido por Hans Leenders; y el Coro infantil: Schola Puerorum, dirigido por Jeroen Felix
Enrico Onofri es un artista cuya polifacética carrera le ha llevado, a lo largo de los años, a ocupar puestos de director principal o asociado en orquestas de cuatro países diferentes, así como un gran número de invitaciones como director invitado o en residencia. Director titular de la Filarmónica Toscanini de Parma hasta la temporada pasada, en la actualidad es director asociado de la Münchener Kammerorchester y de la Orchestre National d’Auvergne, así como colaborador artístico de la Haydn Philharmonie, fundador y director musical del Ensemble Imaginarium y director de la Real Câmara de Lisboa. Tras sus inicios juveniles junto a Jordi Savall y Nikolaus Harnoncourt, fue uno de los fundadores del conjunto Il Giardino Armonico, del que fue primer violín y solista hasta 2010.
En 2002 comenzó su carrera como director con orquestas sinfónicas, de cámara e históricas como la Orquesta de Cámara de Viena, la Akademie für Alte Musik, la Orquesta Barroca de Sevilla, la Camerata Bern, la Bochumer Symphoniker y el Festival Strings de Lucerna. Y entre otras, también con la Kammerorchester Basel, Tafelmusik Toronto, Orchestra Ensemble Kanazawa, Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orchestra dell’Opéra de Lyon, Sinfónica de Galicia, Orquesta Metropolitana de Lisboa, Real Filharmonia de Galicia, Riga Sinfonietta, la Scintilla, Filarmónica de Bremen, Orchestra Fondazione Arena de Verona, etc..
Director, violinista, profesor, criado en el taller de anticuario de sus padres en Rávena y rodeado de la belleza del pasado desde el comienzo de sus estudios musicales, Enrico Onofri ha desarrollado una profunda pasión por las interpretaciones históricas, explorando el repertorio desde el siglo XVII hasta el XX: de este modo, crea un lenguaje personal a través del conocimiento de prácticas antiguas, entendidas como extraordinarias fuentes de inspiración para nuevas ideas y panoramas interpretativos. De este modo, Enrico sigue desarrollando nuevas conexiones, dirigiendo nuevos programas que abarcan desde el siglo XVII hasta la música contemporánea.
También se ha distinguido en producciones operísticas en el Teatro de la Fenice, la Ópera de Lyon, el Teatro de la Maestranza de Sevilla o el Staatstheater de Halle, trabajando con directores como Alessio Pizzech, Mariame Clément, David Marton, Stephen Lawless o Nina Russi. En marzo de 2025 dirigió Il trionfo dell’onore de Alessandro Scarlatti en el Teatro Malibran de Venecia como conmemoración del tercer centenario de la muerte del compositor y el próximo 2026 dirigirá Idomeneo de Mozart en La Monnaie de Bruselas.
Ha recibido numerosos y prestigiosos premios discográficos, así como el Premio Abbiati 2019 como mejor solista del año. ¡Sus últimos éxitos con Imaginarium Ensemble incluyen el Diapason d’or de l’année 2020 por ‘Into Nature’ y Choc! Classica & Diapason d’or 2021 por ‘Seicento!’. En enero de 2025 dio comienzo una colaboración con el sello discográfico Harmonia Mundi para un impresionante ciclo sinfónico dedicado a compositores de la época clásica.
Mahan Esfahani se presenta en el Festival de Música Antigua de Sevilla el próximo domingo 22 de marzo en el Espacio Turina a las 20:00 con un programa titulado Domenico Scarlatti y la Ilustración española, que, naturalmente, incluye como contenido principal diversas sonatas del compositor hispano-italiano junto a obras de otros autores como Juan Bautista Cabanilles, Cantallops, Antonio Soler o Carl Philipp Emmanuel Bach. Sólo tres meses después Mahan regresa a España, y de nuevo a Andalucía, para presentarse en el Festival de Música y Danza de Granada como solista de cuatro Conciertos españoles modernos para clave, Manuel de Falla, Jesús Villa Rojo, Jose María Sánchez-Verdú y Alberto Carretero, que es estreno absoluto, encargo del festival. En este empeño estará acompañado del Plural Ensemble con su fundador y director Fabián Panisello al frente. Será el 4 de julio a las 12:30 en el Crucero del Hospital Real.
Reproducimos a continuación las notas al programa que el propio Mahan redactó para el su debut en el FEMÀS:
Si bien resulta anacrónico hablar de la influencia del flamenco en la música de Domenico Scarlatti, muchas de las tradiciones que sin duda conoció durante sus tres décadas en España finalmente se fusionaron más tarde, en el Romanticismo temprano, en lo que hoy se denomina imperfectamente “flamenco”. Resulta sumamente instructivo, tanto para el intérprete como para el oyente, examinar las sonatas a la luz de los estilos preflamencos que moldearon la conciencia musical de Scarlatti. Por ejemplo, la Sonata en re mayor K.490 es claramente una saeta, un lamento cantado al final de la Cuaresma acompañado de una sombría marcha en 4 (que aún se escucha en las famosas celebraciones de la Semana Santa sevillana); esta, a su vez, da paso a dos bailes festivos: la seguidilla (un vigoroso baile en 3) y la bulería (en compás compuesto, esencialmente 6/8). Estas dos últimas danzas se citan, respectivamente, en las Sonatas K.491 y K.492. Así, en un raro tríptico de sonatas, Scarlatti crea un cuadro andaluz con sonidos: ¡Goya avant la lettre! La K.53en re mayor, por otro lado, es una sonata regia que representa la pompa colorida que Scarlatti habría presenciado en alguna de las innumerables ceremonias que ocupaban la corte española. La Sonata K.215 en mi mayor evoca, en el inicio de su segunda mitad, el tipo de técnicas de guitarra en las que una plétora de tonos sin acordes (acciaccature en la teoría italiana del bajo continuo) crea una oleada de color que impacta y deleita los oídos.
La presencia continua en España de la cultura artística morisca y ladina mucho después de la expulsión de dichas comunidades, junto con la difusión de dichas tradiciones por toda España por parte de los gitanos nómadas, sin duda causó una profunda impresión en el compositor a su llegada a España a finales de la década de 1720. Pero igualmente digno de consideración es el entorno intelectual español como centro de la Ilustración temprana. Con la ascensión de los monarcas de la Casa de Borbón al trono español en 1700, las ideas francesas inevitablemente se abrieron paso tanto en los círculos cortesanos como en los religiosos españoles. De hecho, los teólogos del siglo XVIII en el sur de Europa siguieron con avidez las últimas tendencias científicas e intelectuales, incluso si el Vaticano las tildaba oficialmente de contrarias al dogma eclesiástico. Así, muchos músicos –todos empleados en diversos grados por instituciones religiosas– estuvieron expuestos a una rica fusión de materialismo y espiritualidad explorada por la última generación de pensadores cartesianos franceses y españoles. Si bien el método cartesiano podría considerarse fríamente racional, la búsqueda de la comprensión del mundo natural mediante la observación y el razonamiento alberga en sí misma una esencia del ideal clásico posterior de la imitación de la naturaleza como forma de estudio. La tendencia de algunos compositores barrocos a crear obras que fueran un espejo del mundo (en lugar de una abstracción imaginada) no se basaba necesariamente en un ideal del ser humano inculto como la forma suprema de ser expresivo, sino en una respuesta crítica al potencial atomismo de Descartes y sus seguidores. Así, situar el elemento folclórico en el centro de la obra puede entenderse como el método de Scarlatti para elevar a sus semejantes en la Cadena del Ser medieval y como una forma de racionalizar el impacto transformador de la cultura ibérica en su propia conciencia.
Esta reflexión sonora de la humanidad fue continuada por el clérigo jerónimo Antonio Soler, quien durante su larga estancia en el monasterio real de El Escorial compuso unas 150 sonatas para teclado y mucho más. De nuevo, escuchamos influencias de la tradición popular, por ejemplo, la charrada salmantina en la Sonata en do sostenido menor R 21, una danza en 3/8 con un marcado énfasis en el segundo tiempo en la segunda mitad de la frase, mientras que citas de la jota aragonesa –repleta de castañuelas y bandurria– se pueden escuchar en la Sonata en fa sostenido mayor R 90. Que Soler fuera alumno de Scarlatti sigue siendo tema de debate, y la evidencia documental que respalda tal afirmación es bastante endeble. Asumir que su estilo testimonia la influencia directa de Scarlatti es considerar los hispanismos en la obra del compositor mayor como necesariamente originados exclusivamente por él, en lugar de haber sido adoptados del entorno estético existente en la música española. La obra de Juan Cabanilles, organista valenciano anterior a Scarlatti y Soler, atestigua concisamente esta tendencia en la música instrumental española a imitar los bailes populares y sus multifacéticas estructuras métricas; de hecho, el término pasacalles denota literalmente un baile callejero. Como ejemplo de música de la generación posterior, procedente de zonas más lejanas de Iberia, la Sonata en do menor de un tal Cantallos (compositor por lo demás desconocido para la historia) exhibe la influencia de la escuela Scarlatti/Soler de finales del siglo XVIII. En esta obra, bastante intrigante aunque breve, editada por el pianista cubano Joaquín Nin a partir de un manuscrito catalán, escuchamos la alternancia entre un compás ternario simple y uno compuesto, típico de la seguiriya gitana.
A pesar de la renovada confianza de la primera era del dominio borbónico, la España del siglo XVIII era una potencia imperial hegemónica que había superado con creces su apogeo. Sin embargo, sería erróneo considerarla un país completamente periférico, aislado de las tendencias europeas. La tendencia de los compositores españoles a aludir a las tradiciones populares no significa que la música culta española fuera folclórica, sino que se relacionaba con la misma mezcla intelectual primordial de la que se nutrían artistas como Haydn y Schubert. Al transformar y reinterpretar la cultura popular como parte de un todo artístico basado en un lenguaje musical elevado o relativamente abstracto, estos compositores exploraron una tensión dialéctica esencial entre lo particular y lo universal de una manera que deleita las emociones y conecta con el inconsciente colectivo.
