Mahan Esfahani se presenta en el Festival de Música Antigua de Sevilla el próximo domingo 22 de marzo en el Espacio Turina a las 20:00 con un programa titulado Domenico Scarlatti y la Ilustración española, que, naturalmente, incluye como contenido principal diversas sonatas del compositor hispano-italiano junto a obras de otros autores como Juan Bautista Cabanilles, Cantallops, Antonio Soler o Carl Philipp Emmanuel Bach.
Reproducimos a continuación las notas al programa que el propio Mahan redactó para el su debut en el FEMÀS:
Si bien resulta anacrónico hablar de la influencia del flamenco en la música de Domenico Scarlatti, muchas de las tradiciones que sin duda conoció durante sus tres décadas en España finalmente se fusionaron más tarde, en el Romanticismo temprano, en lo que hoy se denomina imperfectamente “flamenco”. Resulta sumamente instructivo, tanto para el intérprete como para el oyente, examinar las sonatas a la luz de los estilos preflamencos que moldearon la conciencia musical de Scarlatti. Por ejemplo, la Sonata en re mayor K.490 es claramente una saeta, un lamento cantado al final de la Cuaresma acompañado de una sombría marcha en 4 (que aún se escucha en las famosas celebraciones de la Semana Santa sevillana); esta, a su vez, da paso a dos bailes festivos: la seguidilla (un vigoroso baile en 3) y la bulería (en compás compuesto, esencialmente 6/8). Estas dos últimas danzas se citan, respectivamente, en las Sonatas K.491 y K.492. Así, en un raro tríptico de sonatas, Scarlatti crea un cuadro andaluz con sonidos: ¡Goya avant la lettre! La K.53en re mayor, por otro lado, es una sonata regia que representa la pompa colorida que Scarlatti habría presenciado en alguna de las innumerables ceremonias que ocupaban la corte española. La Sonata K.215 en mi mayor evoca, en el inicio de su segunda mitad, el tipo de técnicas de guitarra en las que una plétora de tonos sin acordes (acciaccature en la teoría italiana del bajo continuo) crea una oleada de color que impacta y deleita los oídos.
La presencia continua en España de la cultura artística morisca y ladina mucho después de la expulsión de dichas comunidades, junto con la difusión de dichas tradiciones por toda España por parte de los gitanos nómadas, sin duda causó una profunda impresión en el compositor a su llegada a España a finales de la década de 1720. Pero igualmente digno de consideración es el entorno intelectual español como centro de la Ilustración temprana. Con la ascensión de los monarcas de la Casa de Borbón al trono español en 1700, las ideas francesas inevitablemente se abrieron paso tanto en los círculos cortesanos como en los religiosos españoles. De hecho, los teólogos del siglo XVIII en el sur de Europa siguieron con avidez las últimas tendencias científicas e intelectuales, incluso si el Vaticano las tildaba oficialmente de contrarias al dogma eclesiástico. Así, muchos músicos –todos empleados en diversos grados por instituciones religiosas– estuvieron expuestos a una rica fusión de materialismo y espiritualidad explorada por la última generación de pensadores cartesianos franceses y españoles. Si bien el método cartesiano podría considerarse fríamente racional, la búsqueda de la comprensión del mundo natural mediante la observación y el razonamiento alberga en sí misma una esencia del ideal clásico posterior de la imitación de la naturaleza como forma de estudio. La tendencia de algunos compositores barrocos a crear obras que fueran un espejo del mundo (en lugar de una abstracción imaginada) no se basaba necesariamente en un ideal del ser humano inculto como la forma suprema de ser expresivo, sino en una respuesta crítica al potencial atomismo de Descartes y sus seguidores. Así, situar el elemento folclórico en el centro de la obra puede entenderse como el método de Scarlatti para elevar a sus semejantes en la Cadena del Ser medieval y como una forma de racionalizar el impacto transformador de la cultura ibérica en su propia conciencia.
Esta reflexión sonora de la humanidad fue continuada por el clérigo jerónimo Antonio Soler, quien durante su larga estancia en el monasterio real de El Escorial compuso unas 150 sonatas para teclado y mucho más. De nuevo, escuchamos influencias de la tradición popular, por ejemplo, la charrada salmantina en la Sonata en do sostenido menor R 21, una danza en 3/8 con un marcado énfasis en el segundo tiempo en la segunda mitad de la frase, mientras que citas de la jota aragonesa –repleta de castañuelas y bandurria– se pueden escuchar en la Sonata en fa sostenido mayor R 90. Que Soler fuera alumno de Scarlatti sigue siendo tema de debate, y la evidencia documental que respalda tal afirmación es bastante endeble. Asumir que su estilo testimonia la influencia directa de Scarlatti es considerar los hispanismos en la obra del compositor mayor como necesariamente originados exclusivamente por él, en lugar de haber sido adoptados del entorno estético existente en la música española. La obra de Juan Cabanilles, organista valenciano anterior a Scarlatti y Soler, atestigua concisamente esta tendencia en la música instrumental española a imitar los bailes populares y sus multifacéticas estructuras métricas; de hecho, el término pasacalles denota literalmente un baile callejero. Como ejemplo de música de la generación posterior, procedente de zonas más lejanas de Iberia, la Sonata en do menor de un tal Cantallos (compositor por lo demás desconocido para la historia) exhibe la influencia de la escuela Scarlatti/Soler de finales del siglo XVIII. En esta obra, bastante intrigante aunque breve, editada por el pianista cubano Joaquín Nin a partir de un manuscrito catalán, escuchamos la alternancia entre un compás ternario simple y uno compuesto, típico de la seguiriya gitana.
A pesar de la renovada confianza de la primera era del dominio borbónico, la España del siglo XVIII era una potencia imperial hegemónica que había superado con creces su apogeo. Sin embargo, sería erróneo considerarla un país completamente periférico, aislado de las tendencias europeas. La tendencia de los compositores españoles a aludir a las tradiciones populares no significa que la música culta española fuera folclórica, sino que se relacionaba con la misma mezcla intelectual primordial de la que se nutrían artistas como Haydn y Schubert. Al transformar y reinterpretar la cultura popular como parte de un todo artístico basado en un lenguaje musical elevado o relativamente abstracto, estos compositores exploraron una tensión dialéctica esencial entre lo particular y lo universal de una manera que deleita las emociones y conecta con el inconsciente colectivo.
Christian Vásquez regresa de nuevo a la Orquesta Pasdeloup, con la que ha establecido una estrecha relación en las últimas temporadas, para ofrecer un programa centrado en la música de los Estados Unidos y titulado genéricamente Américan Dreams, que incluye Fanfare for the Common Man de Aaron Copland y su suite para orquesta Rodeo, seguida de Colonial Dance de Florence Price y el romántico Concierto n.º 3 de S. Rachmaninov, que eligió Estados Unidos como su tierra de acogida, interpretado como solista por Mihkel Poll. Será el sábado 14 de marzo a las 15:00 en la Philharmonie de París.
Christian Vásquez fue Director Musical de la Orquesta Sinfónica Teresa Carreño de Venezuela, a la que dirigió en una notable gira por Europa que los llevó a Londres, Lisboa, Toulouse, Múnich, Estocolmo y Estambul. Ha sido también Director Titular de la Orquesta Sinfónica de Stavanger entre 2013 y 2019 y Principal Director Invitado de la Het Gelders Orkest de 2015 a 2020, cargo que inició en una gira por los Países Bajos con un programa latino.
Tras su debut con la Orquesta Sinfónica de Gävle en octubre de 2009, una de sus primeras apariciones en Europa, Christian Vásquez fue nombrado su Principal Director Invitado, cargo que desempeñó entre 2010 y 2013. Ha trabajado con la Philharmonia Orchestra, Residentie Orkest, Orchestre de la Suisse Romande, Sinfónica de la Radio de Viena, Camerata de Salzburgo, Sinfónica Estatal de Rusia, Filarmónica de Tokyo o Sinfónica de Singapur. En Norteamérica ha dirigido la National Arts Centre Orchestra (Ottawa) y Filarmónica de Los Ángeles, durante su participación en su Young Artist Fellowship programme.
Desde entonces Christian ha dirigido orquestas como la Royal Northern Sinfonia, Orchestre National du Capitole de Toulouse, Sinfónica de Galicia, Berlin Konzerthausorchester, Sinfónica de la Radio de Praga, Festival Beethoven de Varsovia, Filarmónica de Turku, Filarmónica de Luxemburgo, Sinfónica de la Radio de Praga, Filarmónica de Poznan, Filarmónica de Rotterdam, Sinfónica de New Jersey, Filarmónica de Helsinki, Orquesta Sinfónica Nacional de México, Sinfónica de Basilea, Filarmónica de Múnich, Filarmónica de Gran Canaria, Orquesta Nacional de Estonia, Orquesta Real Danesa, Orquesta de la Radio de Noruega o la Orquesta Nacional de la RTE de Irlanda. Su primer compromiso operístico en Europa fue en la Ópera de Noruega con Carmen. Otros recientes compromisos incluyen la Opéra National de Paris como asistente de Gustavo Dudamel y conciertos en Polonia, España, Noruega, Israel, Corea, EEUU, etc. Christian Vásquez inició el aprendizaje del violín a la edad de 8 años, en la ciudad de San Sebastián de los Reyes, estado Aragua. En 2006 comenzó sus estudios de dirección orquestal bajo la tutela del maestro José Antonio Abreu, y ese mismo año fue nombrado director musical de la Sinfónica Juvenil José Félix Ribas, del estado Aragua.
Johannes Moser regresa a la Euskadiko Orkestra tras sus aclamadas actuaciones de los últimos años para tocar el Concierto en la menor de Robert Schumann bajo la dirección de Riccardo Frizza. Los conciertos tendrán lugar, como habitualmente, en las principales capitales vascas, los días 13 (Auditorio Baluarte de Pamplona), 14 (Palacio Euskalduna de Bilbao), 16 (Kursaal de San Sebastián), 17 (Conservatorio Jesús Guridi de Vitoria) y 18 (de nuevo San Sebastián). Johannes es un viejo conocido de la Euskabiko Orkestra a la que desde su debut en 2011 ha visitado en diversas ocasiones en 2014, 2016 y 2020, esta última para participar también en la grabación de un disco interpretando el Concierto para violonchelo de Fernando Velázquez. En España estuvo este pasado otoño con la Sinfónica de Castilla y León para protagonizar el estreno en España del Dzonot, concierto para violoncello de Gabriela Ortiz, bajo la dirección de Paolo Bortolameolli.
Johannes Moser y la música actual
Johannes Moser es un incansable promotor de nueva música para su instrumento, por mencionar sólo algunos, el pasado otoño protagonizó el estreno en España del Concierto para violonchelo de Detlev Glanert junto a la Orquesta Sinfónica de Galicia bajo la dirección de Anna Rakitina. Este concierto había tenido su estreno mundial a comienzos de ese mismo año 2024 en Luxemburgo con Johannes en la parte solista por supuesto, la Orchestre Philharmonique du Luxembourg y Gustavo Gimeno, mismos protagonistas que ofrecieron el estreno alemán dos días después en la Philharmonie de Colonia; mientras que el estreno norteamericano tuvo lugar en el mes de marzo en Canadá, con la Toronto Symphony Orchestra y Osmo Vänskä. También en febrero de 2024 estrenó en Alemania el concierto para violonchelo y orquesta de Bernd Richard Deutsch junto a la hr-Sinfonieorchester, Orquesta de la Radio de Frankfurt. Este concierto es resultado de un encargo realizado por la mencionada orquesta de Frankfurt junto a la Tonkünstler-Orchester Niederösterreich, con la que lo estrenó ya en 2020 en la Gran Sala del Musikeverein bajo la dirección de Yutaka Sado, y en 2017 estrenó también Story Teller, concierto para violoncello de Johannes Kalitzke con la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin bajo la dirección del propio compositor, grabado en el sello KAIRÓS con los mismos protagonistas.
En la actualidad se halla inmerso en los estrenos del concierto Before we fall, de Anna Thorvaldsdottir, por las orquestas que formaron parte del consorcio de encargo, el más reciente, el cuarto, tuvo lugar el pasado viernes 16 de enero bajo la dirección de Jukka-Pekka Saraste en la sala de conciertos Musiikitalo de la capital finlandesa con la Filarmónica de Helsinki. Los estrenos anteriores fueron con la Sinfónica de San Francisco y Dalia Stasevska, el pasado mayo; con la Sinfónica de la BBC y Eva Ollikainen en los Proms de Londres en agosto; y con la Sinfónica de Islandia y la misma Ollikainen en septiembre. Los siguientes estrenos tendrán lugar ya en la temporada 2026/27 a cargo de la Orquesta de Stavanger con Joshua Weilerstein y la Sinfónica de Odense bajo la dirección de Pierre Bleuse.
Delyana Lazarova regresa a Pamplona para ponerse de nuevo al frente de la Orquesta Sinfónica de Navarra los próximos 12 y 13 de marzo en el Auditorio Baluarte de la capital y en el Centro Cultural Kulturgunea de Tafalla, ambos días a las 19:30. Si en su debut con la OSN en 2024 dirigió dos conciertos para trompeta de Cecilia McDowall y Aleksandra Pakhmutova con la solista noruega Tine Thing Helseth y la 9ªde Dvořák, esta vez se ha diseñado un programa que comienza con Entr’acte, de Carolyn Shaw (1982), el Concierto para arpa en Mi bemol Mayor, op.74 de Reinhold Glière (1875-1956) con Xavier de Maistre como solista, para terminar con la Sinfonía n.º 4 en La Mayor, op. 90, Italiana, de Felix Mendelssohn (1809-1847). En poco más de dos meses, los días 22 y 23 de mayo, Delyana regresará a España para su debut al frente de la Sinfónica de Galicia a la que dirigirá en un programa que incluye el Concierto para piano en la menor, op. 54 de Britten, con Lukas Sternath como solista, y el Concierto para orquesta de Béla Bartók.
Delyana Lazarova
Orquestas como la Philharmonia Orchestra, la BBC Symphony Orchestra y la Minnesota Orchestra, la Orchestre National de France, la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, la Frankfurt Radio Symphony Orchestra o la Netherlands Philharmonic aprecian el enfoque colaborativo con que Delyana afronta sus compromisos. Al permitir que el carácter y la historia de cada orquesta moldeen su visión, crea interpretaciones llenas de matices, de modo que nunca hay dos encuentros iguales.
Después de ganar la primera edición del Concurso Internacional Siemens Hallé de Dirección de Orquesta en febrero de 2020, Delyana Lazarova fue directora asistente de Sir Mark Elder en la Orquesta Hallé y directora musical de la Orquesta Juvenil Hallé en Manchester de 2020 a 2023. Fue también asistente de Cristian Măcelaru en la Orquesta Sinfónica WDR de Colonia y la Orquesta Nacional de Francia. En 2020, ganó el Premio de Dirección James Conlon en el prestigioso Festival de Música de Aspen, y éxitos anteriores incluyen el Concurso Internacional de Dirección de NRTA en 2019 y la Beca de Dirección Bruno Walter en el Festival de Música Contemporánea de Cabrillo en California en 2017 y 2018. Delyana estudió dirección en la Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) con el profesor Johannes Schlaefli. Asistió a numerosas clases magistrales con Bernard Haitink, Paavo Järvi, Leonard Slatkin, Mark Stringer, Robert Spano y Mathias Pintscher, entre otros. Además de su master en dirección, es una violinista consumada con un máster y diploma de interpretación de la Escuela de Música Jacobs en Indiana, donde estudió con Mauricio Fuks y recibió una beca por su excelencia artística.
Enrico Onofri dirige Idomeneo, re di Creta, de Wolfgang Amadeus Mozart, drama musical en tres actos, KV 366, con libreto de G. B. Varesco basado en el anterior de Danchet para Idomeneo (1712) de Campra, con dirección escénica de Calixto Bieito, en el Teatro de la Monnaie de Bruselas, que lo co-produce con el Teatro Nacional de Praga. Idomeneo se estrenó en Residenztheater de Múnich el 29 de enero de 1781. Enrico Onofri y Calixto Bieito están al frente del siguiente reparto y equipo técnico: Idomeneo, Joshua Stewart; Idamante, Gaëlle Arquez; Ilia, Shira Patchornik; Elettra, Kathryn Lewek; Gran Sacerdote de Neptuno, Michael J. Scott; La Voce Frederic Jost; escenógrafa, Anna-Sofia Kirsch; diseñadora de vestuario, Paula Klein; diseñador de iluminación, Reinhard Traub / Calixto Bieito; diseñador de vídeo, Adrià Reixach, maestro del coro, Emmanuel Trenque, Orquesta Sinfónica y Coro de La Monnaie. Las funciones tendrán lugar los días 10, 12, 14, 18, 20, 22, 24, 26 y 28 de marzo de 2026.
A su regreso a casa tras la guerra de Troya, Idomeneo, rey de Creta, se ve envuelto con su barco en una violenta tormenta. En medio de las turbulentas olas y los acantilados amenazantes, hace una terrible promesa a Neptuno, dios del mar: si él y sus hombres se salvan, sacrificará a la primera persona que encuentre en tierra firme. Cuando Idomeneo llega a una playa de Creta y ve a su propio hijo, Idamante, se ve sumido en una auténtica pesadilla. Con Idomeneo, Mozart, de 25 años, logró su gran salto como compositor de ópera. Con su lirismo desenfrenado, sus arias ricamente variadas y su profundidad emocional, características ideales para la dirección precisa e intensa de Enrico Onofri, la partitura reúne todas las influencias musicales que Mozart ya había absorbido a lo largo de su notablemente rica carrera temprana: el poder expresivo de la ópera seria italiana, las escenas a gran escala y los ballets de la tradición francesa, los fundamentos sinfónicos de la escuela de Mannheim y, por supuesto, su propio genio musical. El resultado es una partitura deslumbrante que estableció definitivamente a Mozart como compositor de ópera.
Enrico Onofri profundiza su consolidación como director de ópera en los escenarios más prestigiosos con producciones como Serse o Agrippina, de Haendel, en la Ópera de Zurich y el Teatro de la Maestranza de Sevilla, respectivamente, Il Trionfo dell’Onore de Scarlatti en el Teatro de la Fenice de Venecia, o, próximamente, un Rapto en el Serrallo en uno de los escenarios más importantes de Italia. Enrico Onofri es un director con una importante presencia en España donde ha establecido una relación estrecha con orquestas como la Real Filharmonía de Galicia, la Orquesta de RTVE y especialmente la Orquesta Barroca de Sevilla.
Abraham Cupeiro regresa de nuevo a Andalucía para presentar su más reciente proyecto sinfónico, MYTHOS, junto a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y el maestro Alejandro Muñoz, tras presentarlo también muy recientemente con la Orquesta Filarmónica de Málaga y el maestro Víctor Eloy López. Habrá dos sesiones dobles para centro educativos los días martes 24 y miércoles 25 de febrero en horario de mañana, y dos conciertos extraordinarios el domingo 1 de marzo a las 12:00 y las 18:00 horas, todos en el Cartuja Center de Sevilla. Más adelante esta misma temporada recupera PANGEA con las orquestas Sinfónica de Navarra y la Sinfónica del Principado de Asturias.
Constructor y multiinstrumentista, lo que caracteriza a Abraham Cupeiro es la recuperación de instrumentos perdidos en el tiempo y utilizarlos para crear nuevas sonoridades e imbricarlos en músicas ajenas a ellos. Estudió trompeta en el RCSMM, y luego realizó un máster en Interpretación de la Música Antigua en la Universidad Autónoma de Barcelona. Sin embargo, aunque su formación es clásica, siempre se ha sentido atraído por todo tipo de músicas. Así, desde temprana edad ha formado parte de grupos de folk, jazz, música antigua. Como instrumentista, destaca por ser una de las pocas personas que toca el Karnyx (trompeta celta de la Edad de Hierro). Recientemente fue invitado para probar el Karnyx de Tintignac, que es el único que apareció entero en el año 2004. Ha rescatado del olvido instrumentos enraizados en la cultura clásica como el Aulós griego y el Cornu romano. Es además impulsor de un instrumento ancestral en la tradición gallega: la corna. Instrumento que su abuelo tocaba y que aparece en las iluminaciones de Alfonso X.
Su interés por la organología, le ha llevado a conseguir una colección de más de 200 instrumentos de todo el mundo y de distintas épocas. Es una colección que enseña a modo de concierto- monólogo bajo el nombre de Resonando en el Pasado. Abraham recupera y construye diversos instrumentos, e interpreta con ellos desde su música hasta música de hoy día, y los mezcla con formaciones modernas. Estas mezclas se pueden ver en su trabajo Compromiscuo con el acordeonista bielorruso Vadzim Yukhnevich, así como en obras escritas ex profeso para él como el Concierto Misterio de Wladimir Rosinsky junto a la Orquesta Sinfónica de Galicia. Otros compositores que han escrito para Abraham han sido Bernd Redman, Enrique Rueda o Mark Pogolski. Os Sons Esquecidos (Los sonidos olvidados) es un proyecto que fue grabado con la Filharmonía de Galicia bajo el sello Warner Classics. Tras su estreno, ha sido presentado con distintas orquestas de España, Europa y América.
En 2018 Abraham estrena un nuevo proyecto: PANGEA, que fue grabado en noviembre de 2019 con la Royal Philharmonic de Londres en los estudios Abbey Road, y salió en septiembre de 2020 bajo el sello Warner Classics y en 2024 lanzó la grabación de un nuevo proyecto, MYTHOS, de nuevo junto a la RPO, que se presentó en España con la Oviedo Filarmonía y esta temporada se podrá ver con la Orquesta Ciudad de Granada o la Sinfónica de Bilbao. Entre las orquestas con las que ha tocado se encuentran Sinfónica de Galicia, Real Filharmonía de Galicia, Royal Philharmonic, Mahler Chamber Orchestra, Filarmónica de Gran Canaria, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Orchestre National de Bretagne, Kymi Sinfonietta, Vaasa City Orchestra etc. Fue requerido por la violinista Patricia Kopatchinskaja para el proyecto Les Adieux, en La Philharmonie de Berlín y La Laeiszhalle de Hamburgo entre otras. Ha compuesto la banda sonora de la película María Solinha y colabora con la compañía 14th Street del oscarizado Hans Zimmer. Colabora habitualmente en los desfiles de Adolfo Domínguez realizando performances en directo. También trabaja para el proyecto de divulgación científica Neuston 3, que trata de sensibilizar a la población de la importancia del Océano en nuestras vidas.
Perry So regresa a Pamplona para ponerse de nuevo al frente de la Orquesta Sinfónica de Navarra en un período de dos semanas en que ofrecerá cuatro conciertos, en su sede habitual de Baluarte de Pamplona y en el Teatro Gaztambide de Tudela como parte de su programación regular de abono, pero también en el Fórum Evolución de Burgos y en el Palacio Euskalduna de Bilbao formando parte de la programación del Festival Musika/Música. Los conciertos de abono en Pamplona y Tudela tendrán lugar los días 26 y 27 de febrero a las 19:30 y contarán con Javier Perianes como solista, que tocará el Concierto en Sol de Ravel entre la Sonatina de García Leoz y la 7ª sinfonía de Beethoven. El concierto en Burgos, que tendrá lugar el día 2 de marzo a las 20:15, contará de la suite de 1945 de El Pájaro de Fuego de Stravinski y la misma 7ª de Beethoven, mientras que el concierto en Musika/Música de Bilbao, que será el domingo 8 de marzo a las 18:30, constará del concierto para violín nº 2 de Prokofiev con Esther Yoo como solista y también una sinfonía de Beethoven pero esta vez la 5ª en lugar de la 7ª.
Perry So
Perry So nació en 1982 en Hong Kong, donde recibió su temprana formación en piano, órgano, violín, viola y composición. Se licenció en Literatura por la Universidad de Yale con una especialización en música y literatura centroeuropeas del período modernista, período en el que fundó una orquesta académica y dirigió la compañía de ópera de la universidad. Cursó estudios de dirección inicialmente con James Sinclair y más tarde con Gustav Meier en el Peabody Institute de Baltimore. En 2008 Perry recibió el Primer Premio y el Premio Especial en la 5ª Edición del Concurso Internacional Prokofiev de Dirección de San Petersburgo. Tras este reconocimiento fue nombrado Asistente de Dirección y luego Director Asociado de la Filarmónica de Hong Kong, Gustavo Dudamel Conducting Fellow en la Filarmónica de Los Ángeles, colaborador artístico de la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, y miembro del Departamento de Dirección de Orquesta de la Manhattan School of Music. En la actualidad es director musical de la Sinfónica de Navarra y de la New Haven Symphony Orchestra.
En recientes temporadas, Perry So ha debutado con la Sinfónica de San Francisco, así como hecho su debut operístico en Europa con la Royal Danish Opera y La flauta mágica. Algunas actuaciones destacadas incluyen una gira a Italia con la Sinfónica de Nuremberg y una gira de siete semanas por Sudáfrica al frente de tres orquestas distintas en la que dirigió el Réquiem de Verdi. Otros debuts en los últimos años incluyen apariciones con las Orquestas de Cleveland y Minnesota, las orquestas sinfónicas de Navarra, Málaga, Tenerife, Nuremberg, Israel, Nueva Zelanda, Houston, Detroit, Nueva Jersey y Shanghái, las Filarmónicas de Londres, Szezcin, Seúl y China, la Residentie Orkest de La Haya y la Staatsorchester Rheinische Philharmonie de Koblenz. En 2013 realizó una gira por la Península Balcánica al frente de la Filarmónica de Zagreb en la primera serie de intercambios culturales establecidos tras la desintegración de Yugoslavia.
El trabajo de Perry So en el estudio de grabación abarca una amplia muestra de música británica, francesa y rusa del siglo XX con la Orquesta Nacional de Gales de la BBC y la Orquesta de Conciertos de la BBC, y su álbum de Conciertos para violín de Barber y Korngold con Alexander Gilman y la Filarmónica de Ciudad del Cabo recibió el Diapason d’Or en 2012. Sus amplios intereses musicales comprenden numerosos estrenos mundiales en cuatro continentes, así como la reintroducción del repertorio renacentista y barroco en los programas sinfónicos, sobre todo defendiendo las obras de Jean-Philippe Rameau. Su trabajo con jóvenes músicos lo ha llevado a la Orquesta Juvenil Australiana, la Orquesta Nacional Juvenil de Canadá, el Festival Round Top, la Escuela de Música de Manhattan, la Academia de Artes Escénicas de Hong Kong y la Escuela de Música de Yale.
Mahan Esfahani regresa a la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra para ofrecer un concierto junto al Ensemble 10:10, creado en el seno de la propia orquesta y bajo la dirección de Clark Rundell, que incluye dos conciertos para clave, de Gary Carpenter:Mondrian for harpsichord y de Caroline Shaw:Concerto for Harpsichord and strings, junto a un puñado de excelentes obras actuales: Ryan Latimer:Mills Mess; Tansy Davies:Dune of Footprints; Mark-Anthony Turnage:Lullaby for Hans y Hans Werner Henze: ‘Dance and Drawing Room Music’ from The Idiot. Será en el Tung Auditorium del Centro Yoko Ono Lennon de la Universidad de Liverpool el próximo miércoles 25 de febrero a las 19:30. Los conciertos de Carpenter y Shaw se grabarán y formarán parte del próximo disco de Mahan. Entre sus compromisos más inmediatos se encuentra una nueva visita a España para participar en el Festival de Música Antigua de Sevilla con un programa titulado Scarlatti y la Ilustración española, que incluye cobras de Scarlatti, Cabanilles, Cantallops, Soler y CPE Bach.
Un programa que viene a confirmar por enésima vez que el clave como instrumento está más vivo que nunca y sigue siendo un gran motivo de inspiración para los más importantes compositores actuales. En palabras de los propios promotores: Instrumento histórico, sonidos vanguardistas. Mahan Esfahani vuelve para recordarnos que la nueva música para clavicémbalo no terminó hace dos siglos y medio, retomando el clásico contemporáneo de Gary Carpenter e interpretando el Concierto para clavicémbalo y cuerdas de Caroline Shaw. A partir de ahí, Clark Rundell nos lleva por caminos muy diferentes: la rebelde obra maestra de Ryan Latimer, un «viaje de búsqueda» de Tansy Davies y un homenaje musical a Hans Werner Henze en el centenario de su nacimiento.
Mahan Esfahani se ha propuesto como meta vital rehabilitar el clavicémbalo como instrumento de concierto, y así, su creativa programación y el encargo de nuevas obras han conseguido llamar la atención de la crítica y el público de toda Europa, Asia y América del Norte. Fue el primer y único clavecinista en ser Artista de Nueva Generación de la BBC (2008-2010), ha sido ganador del premio Borletti-Buitoni (2009) y nominado a Artista del Año de Gramophone (2014, 2015 y 2017). En 2022, se convirtió en el ganador más joven de la Medalla Wigmore, en reconocimiento a su importante contribución y su larga relación con el Wigmore Hall. Como clavecinista, Mahan ha ofrecido recitales en los principales ciclos y salas de conciertos, como el Wigmore Hall y el Barbican Centre de Londres, Oji Hall de Tokio, Sala de Conciertos de la Ciudad Prohibida de Beijing, Shanghai Concert Hall, Carnegie Hall de Nueva York, Ópera de Sydney, Melbourne Recital Centre, Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles, Mostly Mozart Festival del Lincoln Center, Konzerthaus de Berlín, Tonhalle de Zurich, Konzerthaus de Wiener, San Francisco Performances, 92nd St Y, Festival de Música de Schleswig-Holstein, Filarmónica de Colonia, Festival Internacional de Edimburgo, Festival de Música de Aspen, Festival de Aldeburgh, Fundación Juan March de Madrid, Festival de Bergen, Festival Mecklenburg-Vorpommern, Festival Al Bustan en Beirut, Festival de las Artes de Jerusalén y Festival Bach de Leipzig.
Trabajó con la Sinfónica de Chicago, el Ensemble Modern, la BBC Sinfónica, Filarmónica Real de Liverpool, Sinfónica de Seattle, Sinfónica de Melbourne, Filarmónica de Auckland, Sinfónica de la Radio Checa, Orquesta de Navarra, Filarmónica de Malta, Orquesta La Scintilla, Sinfónica de Aarhus, Les Violons du Roy de Montreal, Sinfónica de Hamburgo, Orquesta de Cámara de Múnich, Britten Sinfonia, la Royal Northern Sinfonia y Los Angeles Chamber Orchestra, de la que fue socio artístico durante 2016-2018. Entre sus destacados recientes se incluyen su debut con el concierto para clave de Robert Gerhard con la Orquesta de Barcelona, y sus apariciones con la Orquesta Sinfónica de Odense, la Orquesta Nacional de Lyon, la Orquesta de Cámara de Aichi, la Orquesta Sinfónica Yomiuri Nippon y la Orquesta de Cámara de Múnich, así como recitales en el Carnegie Hall, LSO St Luke’s, Muziekgebouw Eindhoven, Darmstadt y Wigmore Hall.
Especialmente conocido por su defensa de la música contemporánea, Esfahani colabora habitualmente con directores como François-Xavier Roth, Ludovic Morlot, Thierry Fischer, Leif Segerstam, Thomas Dausgaard, Martyn Brabbins, Ilan Volkov, Andrew Manze, Antoni Wit, Joshua Weilerstein, Ken-David Masur y Michael Sanderling. Ha sido el destinatario de unas veinte obras nuevas de algunos de los principales compositores de nuestro tiempo, encargando, entre otros, a Bent Sørensen, Gavin Bryars, George Lewis, Poul Ruders, Brett Dean, Michael Berkeley y Miroslav Srnka, así como a la próxima generación de voces de la música contemporánea, entre las que se encuentran Anahita Abbasi, Laurence Osborn, Francisco Coll y Daniel Kidane.
Perry So dirige el cuarto concierto de abono de la New Haven Symphony Orchestra el próximo domingo 22 de febrero en el Wolsey Hall con un programa que incluye el concierto de violín de Mendelssohn, con Augustin Hadelich como solista, la sinfonía nº 6, Pastoral, de Beethoven y la obra contemporánea Inscription, de Raven Chacón. Una semana después, los días 26 y 27 de febrero en Pamplona y Tudela respectivamente y en esta ocasión con Javier Perianes como solista, regresa al frente de la Orquesta Sinfónica de Navarra con un programa que comprende Sonatina, de García Leoz, el concierto en Sol de Ravel y la sinfonía nº 7 de Beethoven.
Perry So nació en 1982 en Hong Kong, donde recibió su temprana formación en piano, órgano, violín, viola y composición. Se licenció en Literatura por la Universidad de Yale con una especialización en música y literatura centroeuropeas del período modernista, período en el que fundó una orquesta académica y dirigió la compañía de ópera de la universidad. Cursó estudios de dirección inicialmente con James Sinclair y más tarde con Gustav Meier en el Peabody Institute de Baltimore. En 2008 Perry recibió el Primer Premio y el Premio Especial en la 5ª Edición del Concurso Internacional Prokofiev de Dirección de San Petersburgo. Tras este reconocimiento fue nombrado Asistente de Dirección y luego Director Asociado de la Filarmónica de Hong Kong, Gustavo Dudamel Conducting Fellow en la Filarmónica de Los Ángeles, colaborador artístico de la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, y miembro del Departamento de Dirección de Orquesta de la Manhattan School of Music. En la actualidad es director musical de la Sinfónica de Navarra y de la New Haven Symphony Orchestra.
En recientes temporadas, Perry So ha debutado con la Sinfónica de San Francisco, así como hecho su debut operístico en Europa con la Royal Danish Opera y La flauta mágica. Algunas actuaciones destacadas incluyen una gira a Italia con la Sinfónica de Nuremberg y una gira de siete semanas por Sudáfrica al frente de tres orquestas distintas en la que dirigió el Réquiem de Verdi. Otros debuts en los últimos años incluyen apariciones con las Orquestas de Cleveland y Minnesota, las orquestas sinfónicas de Navarra, Málaga, Tenerife, Nuremberg, Israel, Nueva Zelanda, Houston, Detroit, Nueva Jersey y Shanghái, las Filarmónicas de Londres, Szezcin, Seúl y China, la Residentie Orkest de La Haya y la Staatsorchester Rheinische Philharmonie de Koblenz. En 2013 realizó una gira por la Península Balcánica al frente de la Filarmónica de Zagreb en la primera serie de intercambios culturales establecidos tras la desintegración de Yugoslavia.
El trabajo de Perry So en el estudio de grabación abarca una amplia muestra de música británica, francesa y rusa del siglo XX con la Orquesta Nacional de Gales de la BBC y la Orquesta de Conciertos de la BBC, y su álbum de Conciertos para violín de Barber y Korngold con Alexander Gilman y la Filarmónica de Ciudad del Cabo recibió el Diapason d’Or en 2012. Sus amplios intereses musicales comprenden numerosos estrenos mundiales en cuatro continentes, así como la reintroducción del repertorio renacentista y barroco en los programas sinfónicos, sobre todo defendiendo las obras de Jean-Philippe Rameau. Su trabajo con jóvenes músicos lo ha llevado a la Orquesta Juvenil Australiana, la Orquesta Nacional Juvenil de Canadá, el Festival Round Top, la Escuela de Música de Manhattan, la Academia de Artes Escénicas de Hong Kong y la Escuela de Música de Yale.
Johannes Moser toca el concierto para violonchelo Before we fall, de Anna Thorvaldsdottir, con la Milwakee Symphony bajo la dirección de Alpesh Chauhan los próximos 20 y 21 de febrero en el Bradley Symphony Center. El concierto se halla todavía en fase de estrenos por las orquestas que formaron parte del consorcio de encargo, el más reciente, el cuarto, tuvo lugar el pasado viernes 16 de enero bajo la dirección de Jukka-Pekka Saraste en la sala de conciertos Musiikitalo de la capital finlandesa con la Filarmónica de Helsinki. Los estrenos anteriores fueron con la Sinfónica de San Francisco y Dalia Stasevska, el pasado mayo; con la Sinfónica de la BBC y Eva Ollikainen en los Proms de Londres en agosto; y con la Sinfónica de Islandia y la misma Ollikainen en septiembre. Los siguientes estrenos tendrán lugar ya en la temporada 2026/27 a cargo de la Orquesta de Stavanger con Joshua Weilerstein y la Sinfónica de Odense bajo la dirección de Pierre Bleuse.
En España, donde estuvo este pasado otoño para el estreno español de Dzonot, concierto para violonchelo de Gabriela Ortiz, junto a la Sinfónica de Castilla y León y Paolo Bortolameolli, se le espera de nuevo en marzo para tocar el concierto de Schumann bajo la dirección de Riccardo Frizza con la Euskadiko Orkestra en su periplo habitual por las principales capitales vascas, San Sebastián, Bilbao, Vitoria y Pamplona, y la temporada que viene tiene ya previstas nuevas visitas, que incluirán el estreno español de Thorvaldsdottir y nuevas interpretaciones de Dzonot de Ortiz.
Johannes Moser es un incansable promotor de nueva música para su instrumento, por mencionar sólo algunos, el pasado otoño protagonizó el estreno en España del Concierto para violonchelo de Detlev Glanert junto a la Orquesta Sinfónica de Galicia bajo la dirección de Anna Rakitina. Este concierto había tenido su estreno mundial a comienzos de ese mismo año 2024 en Luxemburgo con Johannes en la parte solista por supuesto, la Orchestre Philharmonique du Luxembourg y Gustavo Gimeno, mismos protagonistas que ofrecieron el estreno alemán dos días después en la Philharmonie de Colonia; mientras que el estreno norteamericano tuvo lugar en el mes de marzo en Canadá, con la Toronto Symphony Orchestra y Osmo Vänskä. También en febrero de 2024 estrenó en Alemania el concierto para violonchelo y orquesta de Bernd Richard Deutsch junto a la hr-Sinfonieorchester, Orquesta de la Radio de Frankfurt. Este concierto es resultado de un encargo realizado por la mencionada orquesta de Frankfurt junto a la Tonkünstler-Orchester Niederösterreich, con la que lo estrenó ya en 2020 en la Gran Sala del Musikeverein bajo la dirección de Yutaka Sado, y en 2017 estrenó también Story Teller, concierto para violoncello de Johannes Kalitzke con la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin bajo la dirección del propio compositor, grabado en el sello KAIRÓS con los mismos protagonistas.
