El bajo moldavo Roman Ialcic debuta en la Temporada de Ópera de Las Palmas con el rol de Sparafucile, de Rigoletto, en una producción de Amigos Canarios de la Ópera dirigida por Ramón Tébar en lo musical y Mario Pontiggia en lo escénico. Recientemente se le ha podido ver en diversos teatros de nuestra geografía afrontando otros bajos verdianos como Ferrando, de Trovatore, en el Teatro Calderón de valladolid, o Ludovico, de Otello, en los teatros de la Maestranza y el Liceo, y la próxima temporada encarnará a Sam, de Un ballo in maschera, de nuevo en el Liceo, donde hace doblete al formar parte también del elenco de Demon, de Anton Rubinstein.
Roman Ialcic
Nacido en Chisinau (Moldavia, 1978) Estudió con Kurt Moll, Charles Riecker, Vladimir Dragos, Nikolaus Hillebrand y Gisela Aulmann. En el teatro de San Gall, Suiza, donde formó parte de la compañía estable, cantó Escamillo, Caspar (Freischütz), Marqués (Traviata), Cascada (Viuda alegre), Tomski (La Dama de PIcas), Abimeleh (Sansón y Dalila), o Sarastro (La Flauta Mágica), entre otros.
En España participó como Don Profondo en el Viaggio a Reims del Teatro Real, en el Réquiemde Verdi en el Villamarta de Jerez, dirigido por Miguel Ángel Gómez Martínez y en un Requiemde Dvorak con la ORTVE, así como en Basilio (El barbero de Sevilla) en la ópera de Oviedo. De él ha dicho Emilio Sagi que le recuerda a Nicolai Ghiaurov, y Ángel Carrascosa ha escrito: El joven bajo Román Ialcic tiene por delante, probablemente, una carrera muy promisoria; nombres de campanillas no han resultado tan eficaces como él.
Entre sus compromisos recientes se pueden destacar Caspar, de Freischütz, en los teatros de Toulon y Saint Ettienne, que cantó también en la London Lyric Opera, y recientemente grabó con Vasily Petrenko y la Royal Liverpool Philharmonic; Tomski, de La Dama de Picas de Chaikovski en Londres, en la Ópera Nacional de Moldavia y en La Opèra National du Rhin; Fafner y Hunding en Seattle; y Abimeleh en Colonia; Basilio en Wuppertal; Gremin, de Eugene Onieguin, Raimondo, de Lucia di Lammermoor, Ramphis, de Aida y Zaccaria de Nabuco, en la Ópera Nacional de Moldavia, el Gran Inquisidor en Atenas o Ludovico de Otello de Verdi en el Teatro de la Maestranza y Gran Teatre del Liceu, Bartolo, del Barbiere di Siviglia en la temporada de Ópera de Bilbao o el homónimo Bartolo pero de Le Nozze di Figarode Mozart en el Teatro de Öpera de Malmö, en Suecia, así como Ferrando, de Trovatore en el Teatro Calderón de Valladolid.
En su línea de rescatar, promover y difundir el repertorio español para cuarteto de cuerdas, tanto histórico como actual, el Cuarteto Bretón estrena el Cuarteto de cuerda n. 1 (2016) de Hermes Luaces (Madrid, 1975), encargo del propio grupo y dedicado a él, en el Salón de actos de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, el sábado 20 de Mayo a las 12:00 hs. Previamente, el domingo 7 de Mayo, también en sesión matinal de 12:00h y en Auditorio del Centro Cultural Adolfo Suárez (Tres Cantos), ofrecerán dos obras de Mario Carro (Madrid, 1979), Les fleurs du mal (2010) y El Mar (2005), con Sonia de Munck, junto al Cuarteto nº 8 de Shostakovich.
Cuarteto Bretón. Repertorio español
Próximas recuperaciones de repertorio español por parte del Cuarteto Bretón, en esta ocasión junto al pianista Ludmil Angelov, incluyen los quintetos de Tomás Bretón y Conrado del Campo. Con esta misma formación de quinteto se les podrá ver en la próxima edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada donde interpretarán, entre otras obras, el Quinteto de Enric Granados.
En palabras de Hermes Luaces: “Este cuarteto muestra muchas de las preocupaciones e intereses artísticos que rondan en la actualidad por mi cabeza. Por una parte, un acercamiento a la Naturaleza como devenir, una aproximación a la vida como cambio constante, como flujo irreversible de experiencias que mutan tan imperceptiblemente unas en otras que, en ocasiones, nos resulta difícil distinguir lo real de lo imaginado, la ventura de la desventura, lo placentero de lo doloroso, lo importante de lo trivial… Por otra parte, en este cuarteto se hace evidente mi esfuerzo por desdibujar las fronteras entre el mundo de las, así llamadas, música culta y la popular y mi apuesta por desarrollar un lenguaje que, partiendo de elementos que conectan con la sensibilidad musical mayoritaria en la actualidad, sea capaz de alcanzar las parcelas más sutiles de la inteligencia.
El Cuarteto de cuerdas op. 11 de Barber fue terminado durante una estancia en Austria, y estrenado en Roma en 1936. El cuarteto tiene tres movimientos; el segundo de ellos es el que, en arreglo orquestal, se convertirá posteriormente en el célebre Adagio para cuerdas, la pieza más interpretada de Barber y tal vez la rúbrica del compositor estadounidense: un lamento en clave menor capaz de suscitar en el oyente la más profunda melancolía.
El Cuarteto de cuerda en re menor op. 4, “de la guitarra”, de Turina, en cinco movimientos, fue compuesto en mayo de 1910. Lo estrenó el Cuarteto Touche en la famosa Sala Pleyel de París el 11 de marzo de 1911 y fue dedicado “A la memoria de mis padres, Joaquín Turina y Concepción Pérez”. Se interpretó en Madrid por primera vez el 19 de octubre de 1914 a cargo del Cuarteto Renacimiento, de Barcelona, a cuyo frente, como primer violín, figuraba el compositor Eduardo Toldrá. En sus cuadernos de notas, Turina escribió sobre su propia obra:
“Mi propósito al escribir esta obra es ante todo la melodía. Su carácter es español, con sentimiento andaluz. Aunque influenciado por d’Indy presenta ya un panorama español, si bien visto desde París” [1945]. “Aunque con influencias de la Schola [Schola Cantorum de París], comienza la evolución andaluza. Exceptuando los retorcimientos del zortzico, la escritura es normal. Consta de cinco tiempos, basados en las seis notas cordales de la guitarra, a modo de diseño generador” [1946].
«Alexandre Kantorow es Liszt reencarnado», escribió un enloquecido crítico de Fanfare Magazine sobre su disco dedicado a los conciertos del compositor húngaro en Bis Records (BIS-2100 SACD, Tapiola Sinfonietta y Jean-Jacques Kantorow), publicado en Junio de 2015. Ahora, sin haber cumplido aún los 20 años, sale a la luz su tercer disco, À la russe(BIS-2150 SACD),el primero en solitario, en el que explora sus raíces rusas con obras de Rachmaninov, Chaikovski, Stravinski y Balakirev. Durante tiempo limitado se puede descargar en oferta de lanzamiento desde la página eClassical.com en calidad de audio superior. Grabó su primer CD con su padre, el violinista y director francés, Jean-Jacques Kantorow, dedicado a sonatas francesa inéditas para violín y piano, que salió en Enero de 2014 en el sello NoMadMusic; en breve saldrá, también en BIS, un nuevo disco con los Conciertos nº 4 y 5 de Saint-Saëns y esta misma primavera se encerrará en el estudio para una nueva grabación de piano solo.
Alexandre Kantorow
Nacido en 1997 Alexandre Kantorow comienza a estudiar piano a la edad de cinco años. Tras recibir enseñanzas de Pierre-Alain Volondat, prosigue sus estudios en la Schola Cantorum de Paris en la clase de Igor Lazko. Recibe también los consejos de otros maestros tales como Jacques Rouvier, Jean-Philippe Collard, Georges Pludermacher, Théodore Parashivesco y Christian Ivaldi, y finalmente ingresa en el Conservatorio Superior de París con Frank Braley. Tras obtener varios primeros premios en concursos internacionales debuta con Haruko Ueda en el festival de Taverny, con su padre Jean-Jacques Kantorow en el Festival de la Vézère y con varias orquestas como la Orchestre de Chambre de Bordeaux, l’Orchestre Symphonique d’Orléans, y la Orchestre de Kaunas en Lituania.
Fue invitado a La Folle Journée de Nantes, donde interpretó las Variaciones sobre un tema de Paganini de Rachmaninov con la Sinfonia Varsovia, a la Orchestre de Picardie con un programa Liszt, a la Kansai Philharmonic Orchestra en Osaka con el 2º Concerto de Brahms o a la Orquesta Sinfónica de Taipei con un programme Liszt/Saint-Saëns o este mismo mes de Enero en que tocó el 2º de Brahms con la Orchestre de Douai (Calais, Francia).
Próximos compromisos incluyen La Malediction y el Concierto nº 2 de Liszt con la Orquesta de Cámara de Ginebra; la Fantasía de Bethoven con la Orchestre Pasdeloup en París; de nuevo con la Orchestre de Douai en el Festival des Forets con un programa Liszt; Rhapsody in blue de Geshwin y Concierto de Varsovia para piano, de Richard Addinssell en Touquet y Lens; Festival de Vezère, música de cámara; Festival de Belaye; Wedding cake, de Saint-Saëns y Malediction de Liszt en Taipei; Liszt en Osaka con Augustin Dumay y la Kansai Symphony; recital en Cambridge y una serie de 6 conciertos con la Orchestre Philarmonique des Pays de la Loire, Nantes, con los conciertos de Liszt. Grabó su primer CD con su padre, el violinista y director francés, Jean-Jacques Kantorow, dedicado a sonatas francesa inéditas para violín y piano, que salió en Enero de 2014 en el sello NoMadMusic.
La mezzo austríaca de origen chileno Graciela Araya hará su debut en la Temporada de Ópera de Las Palmas en el papel de Marquesa de Berkenfield, de La fille du Regiment de Donizetti. En producción de Amigos Canarios de la Ópera, Graciela Araya compartirá escenario con artistas como Javier Camarena, Jessica Pratt o José Julián Frontal. Las funciones tendrán lugar en el Teatro Pérez Galdós de las Palmas los días 20, 22 y 24 de Abril.
Graciela Araya
Graciela Araya es una mezzo-soprano austriaca de origen chileno con una prolífica carrera internacional desde principios de los 80. Con un repertorio de más de 70 roles, es conocida en todo el mundo por su interpretación de la protagonista de Carmen de Bizet, rol que cantó en más de 450 funciones. Nacida en 1962 en Concepción, Chile, estudió con Martha Durán en Santiago y con Tomas Demolitsas en São Paulo. Debutó en Santiago en 1981 como Maria en West Side Story. En 1984 ganó una beca para estudiar en Europa e hizo su debut con la Deutsche Oper de Berlín, en la premiere mundial de Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke (El camino del amor y la muerte del Cornet Christoph Rilke), de Siegfried Matthus, bajo la dirección escénica de Maximilian Schell.
Por dos años trabajó con la Ópera de Aachen y otros tres años estuvo con la Deutsche Oper am Rhein, antes de formar parte del roster de artistas principales de la Wiener Staatsoper, donde cantó durante 12 temporadas y adoptó la nacionalidad austriaca. Como free-lance, ha cantado roles protagónicos con la Royal Opera de Londres, la Opéra National de Paris, en La Fenice de Venecia, el Teatro dell’Opera di Roma y el Teatro Regio di Torino. En Estados Unidos ha cantado en el Metropolitan Opera de Nueva York, Los Angeles Opera y Seattle Opera. En Asia cantó en el New National Theatre de Tokio, y participó en el Festival de Bregenz.
Graciela creó el rol de Donna Maria d’Avalos en la ópera Gesualdo, de Alfred Schnittke, para la Ópera Estatal de Viena. Por su interpretación como Orfeo en Orfeo ed Euridice en 1987, bajo la dirección de Peter Werhahn, obtuvo el premio O. E. Hasse como la mejor joven artista de Alemania. Algunos de los roles que ha interpretado en diversos teatros alrededor del mundo incluyen Amneris en Aida, Charlotte en Werther, Clairon en Capriccio, Concepcion en L’heure espagnole, Dalila en Samson et Dalila, Geschwitz en Lulu, Herodias en Salome, Jocasta en Oedipus rex, Kundry en Parsifal, Laura en La Gioconda y Venus en Tannhäuser.
El virtuoso violinista búlgaro afincado en Francia Svetlin Roussev se presentará con la Orquesta Filarmónica de Málaga y su director titular, Manuel Hernández-Silva los próximos 20 y 21 de Abril, con la Sinfonía Española de Edouard Lalo. Completan el programa obras de Gershwin y Arturo Márquez, y se repetirá en el Teatro Villamarta de Jerez el sábado 22 de Abril.
Svetlin Roussev
Svetlin Roussev comenzó su educación musical a muy tierna edad con su madre, profesora en la escuela de música de su ciudad nata, Ruse, en Bulgaria. En 991 fue aceptado en el Conservatorio Nacional Superior de París en las clases de los profesores Gérard Poulet, Devy Erlih y Jean-Jacques Kantorow. Tres años después fue galardonado con el Primer Premio summa cum laude de violin y Primer Premio de Música de Cámara, subsecuentemente accedió al programa de postgrado. Ganó numerosos premios de concursos internacionales (Indianapolis, Long-Thibaud, Melbourne, etc.). Fue destacado como Artista Revelación del año 2.000 por la ADAMI en el Festival de la Industria Musical Francesa MIDEM en Cannes lo que le valió el patrocinio de la Natexis-Banques Populaires Corporate Foundation. En la International Music Competition of Sendaï de 2001 obtuvo el 1er Gran Premio, el Premio especial de la Audiencia y el Premio Especial a la mejor interpretación de un concierto de Bach.
Roussev afronta con visrtuosismo e intensidad un amplio rango de repertorio desde el barroco a la música actual, se reconocen especialmente sus interpretaciones del repertorio eslavo y es uno de los princiaples difusores de la música búlgara. Destacado como Músico Búlgaro del Año en 2006, el gobierno búlgaro le reconoció nuevamente en 2007 con la distinción Lira de Cristal que otorga el Ministerio de Cultura.
Es invitado regularmente en orquestas en América, Asia y Europa como la Orchestre National de France, Orchestre Philharmonique de Radio France, Seoul Philharmonic Orchestra, Tokyo Philharmonic Orchestra, Sendai Philharmonic, Indianapolis Symphony orchestra, Bucarest National George Enescu Orchestra, Roumanian National Radio Orchestra, Bulgarian National Radio and Symphony Orchestras, Ankara Presidential Orchestra o Johannesburg Philharmonic. Ha trabajado bajo la batuta de directores como Léon Fleisher, Yehudi Menuhin, Marek Janowski, Raymond Leppard, John Axelrod, Nicholas Milton, Arie van Beek, François-Xavier Roth, Jean-Jacques Kantorow, Jonathan Webb y muy especialmente con Myung-Whun Chung, en salas como el Teatro Bolshoi, Suntory Hall, Sumida Triphony Center Hall, Seoul Arts Center, Salle Pleyel, UNESCO, Théâtre des Champs Elysées, Théâtre du Châtelet, Cité de la Musique, Théâtre de la Ville, Arsenal de Metz, Halle aux Grains de Toulouse, Bulgaria National Concert Hall, Budapest Bela Bartok National Concert Hall, Frankfurt Alte Oper, Palais des Beaux Arts de Bruxelles, etc. Es también un apreciado compañero de música de cámara para artistas como Myung-Whun Chung, Jean-Marc Luisada, Philippe Cassard, Eric Le Sage, Antoine Tamestit, Vladimir Mendelssohn, Xavier Philips, Paul Meyer o Philippe Bernold y es miembro fundador del Trío Roussev-Salque-Rozanova.
Grabó obras de Pantcho Vladigueron con la pianista Eva Rozanova, el Concierto Fúnebre de K. A. Hartmann con la Orchestre d’Auvergne y Arie van Beek, obras de la Escuela Franco-Belga, sonatas de Grieg y Medtner y más recientemente los conciertos de Sibelius y Vladiguerov con la Orquesta Sinfónica Nacional del aRadio Búlgara. Desde el curso 08/09 es profesor de violín en el Conservatorio Superior de Música de París y es concertino de las Orquesta Filarmónica de Radio France, de la Filarmónica de Seúl y de la Suisse Romande. Toca el Stradivarius 1710 Camposelice amablemente cedido por la Nippon Music Foundation.
