Berna Perles gana el Concurso de Canto de Logroño

Berna Perles gana el Concurso de Canto de Logroño

El pasado domingo 23 de Abril se fallaron los premios del Concurso Internacional de Canto de Logroño. La soprano malagueña Berna Perles y el barítono coreano Kyubong Gerard Lee se han alzado con los Primeros Premios en sus respectivas categorías de voz femenina y masculina. El último año ha sido pródigo en galardones para Berna Perles: fue Primer Premio y Premio del Público en el XIII Concurso de Nuevas Voces de Sevilla, Semifinalista de Concurso de Canto de Portofino (2016); Ganadora del I Concurso de Ópera Mozart de Granada y Premio Ferrer Salat en el Concurso Internacional de Canto Francesc Viñas.

Foto: Ricardo Francia

Berna Perles, soprano

Nace en Málaga, donde obtiene el Título Superior de Canto en el Conservatorio Superior de Música de Málaga con Matrícula de Honor y Premio Extraordinario Fin de Carrera. Cursa un postgrado en el Conservatorio Santa Cecilia de Roma y completa su formación en el Opera Studio de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Amplía sus estudios en Viena con la mezzosoprano Glenys Linos. Ha recibido clases magistrales de Renata Scotto, Mirella Freni, Mariella Devia, Teresa Berganza, Monserrat Caballé, Isabel Rey y Carlos Álvarez.

Ha sido premiada en numerosos certámenes y concursos de canto:
 Primer Premio de Juventudes Musicales de España; Primer Premio de la Muestra de Jóvenes Intérpretes de Málaga
 (2009); Finalista del Concurso Internacional de Canto Manuel Ausensi
 (2010); Finalista del Concurso Internacional de Canto Villa de Colmenar Viejo; Finalista del Concorso Lirico Internazionale Umberto Giordano (2012); Tercer Premio del Concurso Internacional de Canto de Logroño (2013); Finalista del Concurso Internacional de Canto Francesc Viñas (2014); Primer Premio y Premio del Público en el XIII Concurso de Nuevas Voces de Sevilla, Semifinalista de Concurso de Canto de Portofino (2016), Ganadora del I Concurso de Ópera Mozart de Granada y Premio Ferrar Salat en el Concurso Internacional de Canto Francesc Viñas (2017).

Su trayectoria profesional le ha llevado a actuar, tanto en ópera como zarzuela y recitales líricos, en el Teatro dell’Opera y Auditorio Santa Cecilia de Roma, Konzerthaus de Viena, Teatro Comunale de Bologna, Opéra Royal de Versailles, Le pin galant de Mérignac, Palais des Festivals et Congrès de Cannes, Théâtre de Sète, Teatro Avenida de Buenos Aires, Teatros del Canal, Palau de la Música Catalana, Auditorio Nacional, Cervantes de Málaga, Principal de Zaragoza, Bretón de Logroño, Principal de Alicante, Gran Teatro de Córdoba o Manuel de Falla de Granada y ha cantado bajo la batuta de Dominique Rouis, Martin Mázik, Lorenzo Mariani, Edmon Colomer, John Axelrod o Manuel Hernández Silva y bajo la dirección escénica de Lindsay Kemp, Emilio Sagi, William Orlandi o Riccardo Canessa. Ha participado en la grabación de un CD de dúos, junto al barítono Carlos Álvarez, bajo el sello DN Records.

 

Pacho Flores con la Filarmónica de Turku

Pacho Flores con la Filarmónica de Turku

Tras el arrollador éxito con la Orquestra Sinfónica de les Illes Balears el pasado 20 de Abril, dirigido por su titular, Pablo Mielgo, con los que afrontó un exigente programa que incluía el Concierto para Corno da Caccia de Neruda, Invierno Porteño, de Piazzolla, y Concierto Mestizo de Efraín Oscher, Pacho Flores se desplazará a Finlandia para tocar el Concierto para trompeta de Arutunian con la Orquesta Filarmónica de Turku, bajo la dirección de Christian Vásquez. Será los días 4 y 5 de Mayo en el Turku Concert Hall. A continuación tendrá lugar la presentación de su segundo disco con Deutsche Grammophon que lleva el título de ENTROPÍA y en el que está acompañado por el guitarrista, también venezolano, Jesús ‘Pingüino’ González, antes de un mes de Junio que le llevará de Ecuador a Chile y Turquía.

Pacho Flores

Obtuvo el Primer Premio del Concurso Internacional Maurice André, el concurso para trompeta más destacado del mundo, así como el Primer Premio en el Concurso Internacional Philip Jones y Primer Premio en el Concurso Internacional Cittá di Porcia. Formado en el Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, recibe un alto reconocimiento por sus actuaciones como solista, recitales y grabaciones. Igualmente desenvuelto en los estilos clásicos y populares, Flores trae a sus cautivadoras interpretaciones una gran energía matizada por los más hermosos colores instrumentales.

Como solista, ha actuado con la Filarmónica de Kiev, la Camerata de San Petesburgo, el Ensamble Orquestal de París, la Orchestre de la Garde Républicaine, la Orquesta NHK de Japón, la Sinfónica de Tokio, la Filarmónica de Osaka, y la Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, entre otras orquestas. Ha dado recitales en salas como el Carnegie Hall de Nueva York, la Sala Pleyel de París, y la Opera City de Tokio. Como miembro fundador del Quinteto de Metales Simón Bolívar, ha participado en numerosas giras por Europa, Suramérica, Estados Unidos, y Japón.

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Portada del primer disco de Pacho Flores en Deutsche Grammophon

Experimentado músico orquestal, Flores se ha desempeñado como primera trompeta de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, la Orquesta Saito Kinen de Japón, y la Sinfónica de Miami, bajo la dirección de los maestros Claudio Abbado, Sir Simon Rattle, Seiji Ozawa, Giusseppe Sinopoli, Rafael Frübeck de Burgos, Eduardo Marturet y Gustavo Dudamel, entre otros. Director fundador de la Academia Latinoamericana de Trompeta en Venezuela, cultiva a una prometedora generación de jóvenes talentos y es invitado frecuente de los conservatorios de Finlandia, España, Francia, Japón y Latinoamérica, así como también invitado como jurado permanente en prestigiosos concursos Internacionales. 

Flores es un ávido promotor de la música contemporánea y trae importantes aportaciones tanto a la ejecución como la interpretación de su instrumento. Su repertorio incluye encargos y estrenos de obras de compositores como Roger Boutry, Efraín Oscher, Giancarlo Castro, Santiago Báez, Juan Carlos Nuñez y Sergio Bernal. Su primer Álbum Discográfico “La trompeta Venezolana” ha sido lanzado por el Sello GUATACA Producciones.

Artista de la Casa Stomvi, toca instrumentos fabricados exclusivamente para él por esta prestigiosa firma y participa activamente en los desarrollos e innovaciones de sus instrumentos. Pacho Flores es artista exclusivo de Deutsche Grammophon y está produciendo con este famoso sello una serie de grabaciones representativas de sus abundantes y variadas inquietudes musicales.

 

 

Diego García y Krzysztof Chorzelski con la RFG

Diego García y Krzysztof Chorzelski con la RFG

Diego García Rodríguez regresa a la Real Filharmonía de Galicia. Será los próximos 11 y 12 de Mayo y lo hace acompañado de Krzysztof Chorzelski, junto al que afrontará el Concierto para viola de Penderecki. El resto del programa lo componen Murmullos del bosque, de Sigfrido de Wagner; Blumine, de Mahler y la Rapsodia de Jenufa de Janacek. Los conciertos tendrán lugar en el Auditorio de Galicia de Santiago de Compostela y en el Teatro Jofre de Ferrol.

 Diego García Rodríguez

Diego trabaja regularmente con orquestas en España, Inglaterra, Francia y Polonia. Sus compromisos más recientes incluyen programas sinfónicos con la Real Filharmonía de Galicia (RFG), la Orquesta Sinfónica de Galicia (OSG), la Orquesta de Extremadura (OEX), la Orquesta Académica y Coro de Bydgoszcz (Polonia), la Filarmónica de Málaga, Sinfónica de Castilla y León, Sinfónica del Principado de Asturias o la asistencia a Nicola Luisotti en la reciente producción de Rigoletto del Teatro Real de Madrid.

En el campo operístico debutó en el Teatro Real con la producción Hansel und Gretel de E. Humperdinck, en enero de 2015. Dirigió el estreno mundial de It makes no Difference… ópera de cámara del compositor italiano Simone Spagnolo en el festival Tête á Tête en Londres y Carmen de G. Bizet en la Opera Baltycka de Gdansk (Polonia), con dirección escénica de Marek Weiss, así como la producción del Centro Dramático Galego A Ópera dos tres Reás (Die Dreigroschenoper, de Kurt Weill) con dirección escénica de Quico Cadaval y protagonizada por Luis Tosar, y sendas producciones de El Barbero de Sevilla y Rigoletto en el Teatro Victoria Eugenia y el Kursaal de San Sebastián. Trabajó como director asistente en el Teatro Real de Madrid en las producciones de la temporada 2010-2011 Król Roger, de K. Szymanowsky (Paul Daniel, director musical;  Krzysztof Warlikowski, director escénico) y The turn of the Screw de B. Britten (Josep Pons, director musical; David McVicar, director escénico). En Francia colaboró como director asistente en el Théâtre de Caen, en La Traviata de G. Verdi (Nicolas Chalvin director musical;  Jean-François Sivadier, director escénico) y Opera Nantes-Angers en La Nariz de D. Schostakovitch (Nicolas Chalvin, director musical; Patrice Caurier y Moshe Leiser, directores escénicos). El Two Moors Festival 2009 le invitó a dirigir el estreno absoluto del melodrama Die Träumenden Knaben de Torsten Rasch.

Diego es el director artístico y musical del Taller Atlántico Contemporáneo (TAC), Ensemble con el que desarrolla una intensa actividad a favor de la música contemporánea y la colaboración con otras disciplinas artísticas a través de ciclos como Os Seráns do TAC, estrenos de obras de compositores gallegos o el proyecto Land of Opportunity con el grupo Siniestro Total y el compositor Javier López de Guereña. En 2014 el TAC se presentó en el Auditorio Nacional de Madrid, la 53ª Semana de Música Religiosa de Cuenca y en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada interpretando en estos programas estrenos mundiales de los compositores Klaus Lang y Sebastian Mariné. En 2013 el TAC recibió los galardones Premios da Crítica Galicia y el premio en la categoría de música clásica y contemporánea en los Primeiros Premios Galegos da Música organizados por la red de músicos en directo de Galicia. Después de obtener el Master of Arts in conducting en la Hochschule für Musik de Zürich en la clase del profesor Johannes Schlaefli prosigue sus estudios con Diego Masson en las ediciones de 2009 y 2010 de la Dartington Summer School, dirigiendo en el Dartington Great Hall Madama Butterfly de G. Puccini y Le Nozze di Figaro de W. A. Mozart. También en Inglaterra es seleccionado por el Ensemble London Sinfonietta para participar en su primer programa para jóvenes directores en la London Sinfonietta Academy 2010.

Krzysztof Chorzelski

Krzysztof Chorzelski nació en Varsovia en 1971 y desarrolla una diversificada carrera como intérprete que le ha llevado a todos los rincones del globo como violista del Cuarteto Belcea y también como solista. Estudió en el Royal College of Music de Londres con Grigori Zhislin y Felix Andrievski. En 1992 ganó el Concurso Wronski de violín en Varsovia, lo que le llevó a dar conciertos como solista por Europa y grabaciones para la Radio Polaca y la BBC. Desde el 96 es viola del Cuarteto Belcea, con el que ganó los más importantes premios como Osaka, Burdeos y Banff. La agenda internacional del cuarteto le lleva con regularidad a las salas más importantes del mundo como el Wigmore Hall de Londres, donde el cuarteto tuvo una residencia de cinco años, el Konzerthaus de Viena, Concertgebouw de Amsterdam, Chatelet de Parías, Philarmonie de Berlín o Carnegie Hall y Lincoln Center de Nueva York. Las grabaciones del Cuarteto Belcea para EMI recibieron los más entusiastas elogios de la crítica, ganando el Premio Grammophon, Midem, Diapason D’Or y el Premio de la Crítica a la Mejor Grabación de Música de Cámara. Con el cuarteto ha grabado la integral de los cuartetos de Beethoven.

Krzysztof Chorzelski es profesor de viola en la Guildhall Scholl de Londres, donde el Belcea es también cuarteto en residencia. Vuelve también con frecuencia a Polonia para enseñar en la Academia Chopin y la Escuela de Música Elsner, y ofrece con frecuencia master clases de viola y música de cámara en Suiza, Polonia, Rumanía, Israel y Colombia. En 2012 obtuvo la cátedra de viola en la Academia de Verano Internacional de Música de Astona, en Suiza. Es invitado habitual de Festivales como Spoleto, Spannungen in Heimbach, el Oxford International Chamber Music Festival, el Four Seasons Chamber Music Festival, en Carolina del Norte, y el Festival de Música de Cámara de Moscú “Vozvroshchenya”. Suele trabajar también junto al Quatuor Ysaye, Ensemble Les Dissonnances, el Razumovsky Ensemble y artistas como Stephen Kovacevich, Piotr Anderszewski, Polina Leschenko, Andrew Zolinsky y Natalie Clein, Katya Apekisheva o el Cuarteto Alban Berg.

Krzysztof Chorzelski estudió dirección de orquesta con Neil Thompson en el Royal College of Music y con Diego Masson en la Dartington Summer School. Recientemente fundó la orquesta de cámara, con base en Londres, Metamorphosen Ensemble. Su grabacion del Concierto de violin “Concierto Latino” de Ittai Shapira con la London Serenata Orchestra y el propio compositor como solista fue publicada por Champs Hill Records; y su recital de debut como solista con la pianista Katya Apekisheva se grabó y fue presentado por ambos artistas con un concierto en el Wigmore Hall de Londres.

 

Roman Ialcic debuta en la Ópera de Las Palmas

Roman Ialcic debuta en la Ópera de Las Palmas

El bajo moldavo Roman Ialcic debuta en la Temporada de Ópera de Las Palmas con el rol de Sparafucile, de Rigoletto, en una producción de Amigos Canarios de la Ópera dirigida por Ramón Tébar en lo musical y Mario Pontiggia en lo escénico. Recientemente se le ha podido ver en diversos teatros de nuestra geografía afrontando otros bajos verdianos como Ferrando, de Trovatore, en el Teatro Calderón de valladolid, o Ludovico, de Otello, en los teatros de la Maestranza y el Liceo, y la próxima temporada encarnará a Sam, de Un ballo in maschera, de nuevo en el Liceo, donde hace doblete al formar parte también del elenco de Demon, de Anton Rubinstein.

Roman Ialcic

Nacido en Chisinau (Moldavia, 1978) Estudió con Kurt Moll, Charles Riecker, Vladimir Dragos, Nikolaus Hillebrand y Gisela Aulmann. En el teatro de San Gall, Suiza, donde formó parte de la compañía estable, cantó Escamillo, Caspar (Freischütz), Marqués (Traviata), Cascada (Viuda alegre), Tomski (La Dama de PIcas), Abimeleh (Sansón y Dalila), o Sarastro (La Flauta Mágica), entre otros.

En España participó como Don Profondo en el Viaggio a Reims del Teatro Real, en el Réquiemde Verdi en el Villamarta de Jerez, dirigido por Miguel Ángel Gómez Martínez y en un Requiemde Dvorak con la ORTVE, así como en Basilio (El barbero de Sevilla) en la ópera de Oviedo. De él ha dicho Emilio Sagi que le recuerda a Nicolai Ghiaurov, y Ángel Carrascosa ha escrito: El joven bajo Román Ialcic tiene por delante, probablemente, una carrera muy promisoria; nombres de campanillas no han resultado tan eficaces como él.

Entre sus compromisos recientes se pueden destacar Caspar, de Freischütz, en los teatros de Toulon y Saint Ettienne, que cantó también en la London Lyric Opera, y recientemente grabó con Vasily Petrenko y la Royal Liverpool Philharmonic; Tomski, de La Dama de Picas de Chaikovski en Londres, en la Ópera Nacional de Moldavia y en La Opèra National du Rhin; Fafner y Hunding en Seattle; y Abimeleh en Colonia; Basilio en Wuppertal; Gremin, de Eugene Onieguin, Raimondo, de Lucia di Lammermoor, Ramphis, de Aida y Zaccaria de Nabuco, en la Ópera Nacional de Moldavia, el Gran Inquisidor en Atenas o Ludovico de Otello de Verdi en el Teatro de la Maestranza y Gran Teatre del Liceu, Bartolo, del Barbiere di Siviglia en la temporada de Ópera de Bilbao o el homónimo Bartolo pero de Le Nozze di Figarode Mozart en el Teatro de Öpera de Malmö, en Suecia, así como Ferrando, de Trovatore en el Teatro Calderón de Valladolid.

 

 

El Cuarteto Bretón estrena obra de Hermes Luaces

El Cuarteto Bretón estrena obra de Hermes Luaces

En su línea de rescatar, promover y difundir el repertorio español para cuarteto de cuerdas, tanto histórico como actual, el Cuarteto Bretón estrena el Cuarteto de cuerda n. 1 (2016) de Hermes Luaces (Madrid, 1975), encargo del propio grupo y dedicado a él, en el Salón de actos de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, el sábado 20 de Mayo a las 12:00 hs. Previamente, el domingo 7 de Mayo, también en sesión matinal de 12:00h y en Auditorio del Centro Cultural Adolfo Suárez (Tres Cantos), ofrecerán dos obras de Mario Carro (Madrid, 1979), Les fleurs du mal (2010) y El Mar (2005), con Sonia de Munck, junto al Cuarteto nº 8 de Shostakovich.

Cuarteto Bretón. Repertorio español

Próximas recuperaciones de repertorio español por parte del Cuarteto Bretón, en esta ocasión junto al pianista Ludmil Angelov, incluyen los quintetos de Tomás Bretón y Conrado del Campo. Con esta misma formación de quinteto se les podrá ver en la próxima edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada donde interpretarán, entre otras obras, el Quinteto de Enric Granados.

En palabras de Hermes Luaces: “Este cuarteto muestra muchas de las preocupaciones e intereses artísticos que rondan en la actualidad por mi cabeza. Por una parte, un acercamiento a la Naturaleza como devenir, una aproximación a la vida como cambio constante, como flujo irreversible de experiencias que mutan tan imperceptiblemente unas en otras que, en ocasiones, nos resulta difícil distinguir lo real de lo imaginado, la ventura de la desventura, lo placentero de lo doloroso, lo importante de lo trivial… Por otra parte, en este cuarteto se hace evidente mi esfuerzo por desdibujar las fronteras entre el mundo de las, así llamadas, música culta y la popular y mi apuesta por desarrollar un lenguaje que, partiendo de elementos que conectan con la sensibilidad musical mayoritaria en la actualidad, sea capaz de alcanzar las parcelas más sutiles de la inteligencia.


El Cuarteto de cuerdas op. 11 de Barber fue terminado durante una estancia en Austria, y estrenado en Roma en 1936. El cuarteto tiene tres movimientos; el segundo de ellos es el que, en arreglo orquestal, se convertirá posteriormente en el célebre Adagio para cuerdas, la pieza más interpretada de Barber y tal vez la rúbrica del compositor estadounidense: un lamento en clave menor capaz de suscitar en el oyente la más profunda melancolía.

El Cuarteto de cuerda en re menor op. 4, “de la guitarra”, de Turina, en cinco movimientos, fue compuesto en mayo de 1910. Lo estrenó el Cuarteto Touche en la famosa Sala Pleyel de París el 11 de marzo de 1911 y fue dedicado “A la memoria de mis padres, Joaquín Turina y Concepción Pérez”. Se interpretó en Madrid por primera vez el 19 de octubre de 1914 a cargo del Cuarteto Renacimiento, de Barcelona, a cuyo frente, como primer violín, figuraba el compositor Eduardo Toldrá. En sus cuadernos de notas, Turina escribió sobre su propia obra:

Mi propósito al escribir esta obra es ante todo la melodía. Su carácter es español, con sentimiento andaluz. Aunque influenciado por d’Indy presenta ya un panorama español, si bien visto desde París” [1945]. “Aunque con influencias de la Schola [Schola Cantorum de París], comienza la evolución andaluza. Exceptuando los retorcimientos del zortzico, la escritura es normal. Consta de cinco tiempos, basados en las seis notas cordales de la guitarra, a modo de diseño generador” [1946].

 

 

Nuevo disco de Alexandre Kantorow en BIS

Nuevo disco de Alexandre Kantorow en BIS

Alexandre Kantorow es Liszt reencarnado”, escribió un enloquecido crítico de Fanfare Magazine sobre su disco dedicado a los conciertos del compositor húngaro en Bis Records (BIS-2100 SACD, Tapiola Sinfonietta y Jean-Jacques Kantorow), publicado en Junio de 2015. Ahora, sin haber cumplido aún los 20 años, sale a la luz su tercer disco, À la russe (BIS-2150 SACD), el primero en solitario, en el que explora sus raíces rusas con obras de Rachmaninov, Chaikovski, Stravinski y Balakirev. Durante tiempo limitado se puede descargar en oferta de lanzamiento desde la página eClassical.com en calidad de audio superior. Grabó su primer CD con su padre, el violinista y director francés, Jean-Jacques Kantorow, dedicado a sonatas francesa inéditas para violín y piano, que salió en Enero de 2014 en el sello NoMadMusic; en breve saldrá, también en BIS, un nuevo disco con los Conciertos nº 4 y 5 de Saint-Saëns y esta misma primavera se encerrará en el estudio para una nueva grabación de piano solo.

Alexandre Kantorow

Nacido en 1997 Alexandre Kantorow comienza a estudiar piano a la edad de cinco años. Tras recibir enseñanzas de Pierre-Alain Volondat, prosigue sus estudios en la Schola Cantorum de Paris en la clase de Igor Lazko. Recibe también los consejos de otros maestros tales como Jacques Rouvier, Jean-Philippe Collard, Georges Pludermacher, Théodore Parashivesco y Christian Ivaldi, y finalmente ingresa en el Conservatorio Superior de París con Frank Braley. Tras obtener varios primeros premios en concursos internacionales debuta con Haruko Ueda en el festival de Taverny, con su padre Jean-Jacques Kantorow en el Festival de la Vézère y con varias orquestas como la Orchestre de Chambre de Bordeaux, l’Orchestre Symphonique d’Orléans, y la Orchestre de Kaunas en Lituania.

Fue invitado a La Folle Journée de Nantes, donde interpretó las Variaciones sobre un tema de Paganini de Rachmaninov con la Sinfonia Varsovia, a la Orchestre de Picardie con un programa Liszt, a la Kansai Philharmonic Orchestra en Osaka con el 2º Concerto de Brahms o a la Orquesta Sinfónica de Taipei con un programme Liszt/Saint-Saëns o este mismo mes de Enero en que tocó el 2º de Brahms con la Orchestre de Douai (Calais, Francia).

Próximos compromisos incluyen La Malediction y el Concierto nº 2 de Liszt con la Orquesta de Cámara de Ginebra; la Fantasía de Bethoven con la Orchestre Pasdeloup en París; de nuevo con la Orchestre de Douai en el Festival des Forets con un programa Liszt; Rhapsody in blue de Geshwin y Concierto de Varsovia para piano, de Richard Addinssell en Touquet y Lens; Festival de Vezère, música de cámara; Festival de Belaye; Wedding cake, de Saint-Saëns y Malediction de Liszt en Taipei; Liszt en Osaka con Augustin Dumay y la Kansai Symphony; recital en Cambridge y una serie de 6 conciertos con la Orchestre Philarmonique des Pays de la Loire, Nantes, con los conciertos de Liszt. Grabó su primer CD con su padre, el violinista y director francés, Jean-Jacques Kantorow, dedicado a sonatas francesa inéditas para violín y piano, que salió en Enero de 2014 en el sello NoMadMusic.

 

 

Graciela Araya en la Temporada de Ópera de Las Palmas

Graciela Araya en la Temporada de Ópera de Las Palmas

La mezzo austríaca de origen chileno Graciela Araya hará su debut en la Temporada de Ópera de Las Palmas en el papel de Marquesa de Berkenfield, de La fille du Regiment de Donizetti. En producción de Amigos Canarios de la Ópera, Graciela Araya compartirá escenario con artistas como Javier Camarena, Jessica Pratt o José Julián Frontal. Las funciones tendrán lugar en el Teatro Pérez Galdós de las Palmas los días 20, 22 y 24 de Abril.

Graciela Araya

Graciela Araya es una mezzo-soprano austriaca de origen chileno con una prolífica carrera internacional desde principios de los 80. Con un repertorio de más de 70 roles, es conocida en todo el mundo por su interpretación de la protagonista de Carmen de Bizet, rol que cantó en más de 450 funciones. Nacida en 1962 en Concepción, Chile, estudió con Martha Durán en Santiago y con Tomas Demolitsas en São Paulo. Debutó en Santiago en 1981 como Maria en West Side Story. En 1984 ganó una beca para estudiar en Europa e hizo su debut con la Deutsche Oper de Berlín, en la premiere mundial de Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke (El camino del amor y la muerte del Cornet Christoph Rilke), de Siegfried Matthus, bajo la dirección escénica de Maximilian Schell.

Por dos años trabajó con la Ópera de Aachen y otros tres años estuvo con la Deutsche Oper am Rhein, antes de formar parte del roster de artistas principales de la Wiener Staatsoper, donde cantó durante 12 temporadas y adoptó la nacionalidad austriaca.  Como free-lance, ha cantado roles protagónicos con la Royal Opera de Londres, la Opéra National de Paris, en La Fenice de Venecia, el Teatro dell’Opera di Roma y el Teatro Regio di Torino. En Estados Unidos ha cantado en el Metropolitan Opera de Nueva York, Los Angeles Opera y Seattle Opera. En Asia cantó en el New National Theatre de Tokio, y participó en el Festival de Bregenz.

Graciela creó el rol de Donna Maria d’Avalos en la ópera Gesualdo, de Alfred Schnittke, para la Ópera Estatal de Viena. Por su interpretación como Orfeo en Orfeo ed Euridice en 1987, bajo la dirección de Peter Werhahn, obtuvo el premio O. E. Hasse como la mejor joven artista de Alemania. Algunos de los roles que ha interpretado en diversos teatros alrededor del mundo incluyen Amneris en Aida, Charlotte en Werther, Clairon en Capriccio, Concepcion en L’heure espagnole, Dalila en Samson et Dalila, Geschwitz en Lulu, Herodias en Salome, Jocasta en Oedipus rex, Kundry en Parsifal, Laura en La Gioconda y Venus en Tannhäuser.

 

 

 

Svetlin Roussev con la Filarmónica de Málaga

Svetlin Roussev con la Filarmónica de Málaga

El virtuoso violinista búlgaro afincado en Francia Svetlin Roussev se presentará con la Orquesta Filarmónica de Málaga y su director titular, Manuel Hernández-Silva los próximos 20 y 21 de Abril, con la Sinfonía Española de Edouard Lalo. Completan el programa obras de Gershwin y Arturo Márquez, y se repetirá en el Teatro Villamarta de Jerez el sábado 22 de Abril. 

Svetlin Roussev

Svetlin Roussev comenzó su educación musical a muy tierna edad con su madre, profesora en la escuela de música de su ciudad nata, Ruse, en Bulgaria. En 991 fue aceptado en el Conservatorio Nacional Superior de París en las clases de los profesores Gérard Poulet, Devy Erlih y Jean-Jacques Kantorow. Tres años después fue galardonado con el Primer Premio summa cum laude de violin y Primer Premio de Música de Cámara, subsecuentemente accedió al programa de postgrado. Ganó numerosos premios de concursos internacionales (Indianapolis, Long-Thibaud, Melbourne, etc.). Fue destacado como Artista Revelación del año 2.000 por la ADAMI en el Festival de la Industria Musical Francesa MIDEM en Cannes lo que le valió el patrocinio de la Natexis-Banques Populaires Corporate Foundation. En la International Music Competition of Sendaï de 2001 obtuvo el 1er Gran Premio, el Premio especial de la Audiencia y el Premio Especial a la mejor interpretación de un concierto de Bach.

Roussev afronta con visrtuosismo e intensidad un amplio rango de repertorio desde el barroco a la música actual, se reconocen especialmente sus interpretaciones del repertorio eslavo y es uno de los princiaples difusores de la música búlgara. Destacado como Músico Búlgaro del Año en 2006, el gobierno búlgaro le reconoció nuevamente en 2007 con la distinción Lira de Cristal que otorga el Ministerio de Cultura.

Es invitado regularmente en orquestas en América, Asia y Europa como la Orchestre National de France, Orchestre Philharmonique de Radio France, Seoul Philharmonic Orchestra, Tokyo Philharmonic Orchestra, Sendai Philharmonic, Indianapolis Symphony orchestra, Bucarest National George Enescu Orchestra, Roumanian National Radio Orchestra, Bulgarian National Radio and Symphony Orchestras, Ankara Presidential Orchestra o Johannesburg Philharmonic. Ha trabajado bajo la batuta de  directores como Léon Fleisher, Yehudi Menuhin, Marek Janowski, Raymond Leppard, John Axelrod, Nicholas Milton, Arie van Beek, François-Xavier Roth, Jean-Jacques Kantorow, Jonathan Webb y muy especialmente con Myung-Whun Chung, en salas como el Teatro Bolshoi, Suntory Hall, Sumida Triphony Center Hall, Seoul Arts Center, Salle Pleyel, UNESCO, Théâtre des Champs Elysées, Théâtre du Châtelet, Cité de la Musique, Théâtre de la Ville, Arsenal de Metz, Halle aux Grains de Toulouse, Bulgaria National Concert Hall, Budapest Bela Bartok National Concert Hall, Frankfurt Alte Oper, Palais des Beaux Arts de Bruxelles, etc. Es también un apreciado compañero de música de cámara para artistas como Myung-Whun Chung, Jean-Marc Luisada, Philippe Cassard, Eric Le Sage, Antoine Tamestit, Vladimir Mendelssohn, Xavier Philips, Paul Meyer o Philippe Bernold y es miembro fundador del Trío Roussev-Salque-Rozanova.

Grabó obras de Pantcho Vladigueron con la pianista Eva Rozanova, el Concierto Fúnebre de K. A. Hartmann con la Orchestre d’Auvergne y Arie van Beek, obras de la Escuela Franco-Belga, sonatas de Grieg y Medtner y más recientemente los conciertos de Sibelius y Vladiguerov con la Orquesta Sinfónica Nacional del aRadio Búlgara. Desde el curso 08/09 es profesor de violín en el Conservatorio Superior de Música de París y es concertino de las Orquesta Filarmónica de Radio France, de la Filarmónica de Seúl y de la Suisse Romande. Toca el Stradivarius 1710 Camposelice amablemente cedido por la Nippon Music Foundation.

Excelente crítica de Jonathan Webb con la RFG

Excelente crítica de Jonathan Webb con la RFG

CRÍTICA: JONATHAN WEBB DIRIGE POR SEGUNDA VEZ ESTA TEMPORADA A LA REAL FILHARMONÍA DE GALICIA

Publicada en Codalario. 11 de abril de 2017
 

 

LA LLAVE HACIA LA LIBERTAD

Por Beatriz Cancela | @beacancela
Santiago de Compostela. Auditorio de Galicia 6/IV/17. Concierto de temporada. Real Filharmonía de Galicia. Director: Jonathan Webb. Tenor: Sam Furness. Obras de Britten y Shostakóvich.

Constituían, los conciertos de este jueves en Santiago y viernes en Vigo, la segunda ocasión en la que Jonathan Webb constataba su presencia al frente de la Real Filharmonía de Galicia (RFG) en condición de principal director invitado. Si ya en noviembre nos había embaucado con una selección de la gloriosa Bohemia del último tercio del siglo XIX, esta vez se reservaba un crudo repertorio envuelto por el grotesco espíritu circundante a la II Guerra Mundial, tratado desde dos prismas divergentes aunque no por ello ajenos. Dos compositores, dos realidades, dos expresiones que brotan de lo más profundo del ser del individuo con respecto a la búsqueda introspectiva y a la aceptación personal, a la confrontación con una realidad rígida, inquebrantable… en definitiva, la lucha por alcanzar la libertad.

Su compatriota, el tenor Sam Furness, sería el elegido para poner voz al ciclo de canciones Les Illuminations, op. 18 (1939) de Britten, tomando el texto de la obra homónima del literato simbolista francés Arthur Rimbaud escrita entre 1873 y 1875 durante su estadía en Inglaterra. Furness, pese a su juventud, atesora una versátil experiencia que ya auguraba el galardón de la Royal Academy of Music Club en 2012 y que ahora confirma la reciente nominación para los 2017 International Opera Awards en la categoría de jóvenes cantantes.

Con su voz cálida, tersa y veraz afrontaba aquel “J’ai seul la clef de cette parade sauvage” con aplomo y ceremonial rigidez. A partir de ahí su expresividad iría pareja a la dramatización de la obra, distendiendo sus gestos corporales y brindándonos un amplio abanico de matices vocales. Villes constituyó un alarde de vitalidad que el tenor desarrolló dinámico pese a unos graves que decentemente defendió; Phrases y Antique, nos dejaron momentos de mayor delicadeza y lirismo con melodías exquisitas y unos agudos sobrecogedores; Being Beauteous, especialmente dramática y descriptiva, en la que el colorismo del tenor se engarzaba, lumínico, con los cuidados matices de la orquesta; hasta alcanzar la quietud de Départ, carente de conflicto y de una serenidad tal que Webb aprovecharía para dilatar con un catártico silencio final.

Pero aquel año de 1939, tan fatídico para el mundo, será significativo para Britten ya no sólo por la composición de Les Illuminations, sino por su traslado a Estados Unidos, país receptor de una gran cantidad de compositores y artistas que son desterrados por aquella Gran Guerra que dejaría cicatrices indelebles. No es el caso de Shostakóvich, que decidió continuar en su país a pesar de la encorsetada realidad que estaba viviendo y resistir a un panorama cultural que directamente le perjudicaba, como ocurrió en 1948 con el decreto Zhdánov y que todavía se mantenía en el año de composición de esta Sinfonía número 10 en mi menor, op. 93 (1953), creada precisamente tras la muerte de Stalin.

Al igual que observábamos en Furness, la variabilidad de repertorios es una característica que también evidenciamos en Webb, con un una predisposición excepcional hacia el efectismo y a la expresividad. Pero a ello le añadimos la templanza del director británico a la hora de materializar por medio de la orquesta su percepción de la obra, y en este caso, a través del conocimiento de las posibilidades de la RFG. Una agrupación, por cierto, que se mostró cómoda y motivada con el programa y con el director.

Especialmente minucioso en el fraseo, su interpretación fue veraz y liviana, intensa y sensible. Mordaz por veces e implorante en otras ocasiones. Sin malgastar energía en balde, derrochó intensidad en los momentos puntuales sin llegar al estruendo, ni mucho menos. En el primer movimiento, la intensidad lograda por las agitadas notas agudas, la presencia tenaz de la percusión o la aparición de los metales creó una atmósfera de tensión que se mantuvo, briosa, sin decaer. Diametralmente opuesto, en el segundo movimiento Webb optó por incidir en su ágil tempo, Allegro, requiriendo gran agitación a los músicos. Toda una puesta a prueba del conjunto con secciones contrastantes plagadas de cambios de dinámicas y matices. Un frenesí expresivo y bajo control en el que orquesta y director demostraron gran avenencia. El tercer movimiento constituyó una exhibición de efectivos, donde las trompas brillaron con acogedora sonoridad y el flautín cerraba con un lacerante agudo. El último movimiento no defraudó, constituyendo una eclosión final que coadyuvó a arrancar la gran ovación que el público brindó a Webb y a la orquesta.

En conjunto, pudimos disfrutar de una velada organizado sobre un repertorio meditado, con contenido y significado. Una racionalidad acorde con la sonoridad de las obras y con el añadido expresivo y dramático intrínseco en cuanto a su génesis pero también la alcanzada en el momento presente de su interpretación. Todo, para más inri, bajo una intencionalidad alcanzada por medio de la complicidad y el respeto… todas las claves que hicieron de este, un concierto excelso.  

 

Pacho Flores con la Simfónica de Balears

Pacho Flores con la Simfónica de Balears

Tras regresar de Japón y Colombia, Pacho Flores vuelve al escenario de una orquesta española el próximo Jueves, 20 de Abril, en este caso será la Orquestra Sinfónica de les Illes Balears con su titular, Pablo Mielgo, con los que afrontará un exigente programa que consta del Concierto para Corno da Caccia de Neruda, Invierno Porteño, de Piazzolla, y Concierto Mestizo de Efraín Oscher, obra encargada por ‘El Sistema’ y dedicada a Pacho Flores, que estrenó en 2010 y ha interpretado desde entonces ya más de dos docenas de veces en diversos países como Venezuela, Brasil, México, Alemania, Austria, Inglaterra, España y Japón.

El estreno español tuvo lugar el 19 de Febrero de 2016 a cargo de la Orquesta Filarmónica de Málaga y su titular Manuel Hernández-Silva, y están previstas nuevas interpretaciones por otras orquestas españolas e internacionales a lo largo de la temporada 17/18 de las que iremos informando, así como su próxima traslación a disco compacto. A continuación Pacho se desplazará a Finlandia para tocar el Concierto para trompeta de Arutunian con la Orquesta Filarmónica de Turku, bajo la dirección de Christian Vásquez.

Pacho Flores

Obtuvo el Primer Premio del Concurso Internacional Maurice André, el concurso para trompeta más destacado del mundo, así como el Primer Premio en el Concurso Internacional Philip Jones y Primer Premio en el Concurso Internacional Cittá di Porcia. Formado en el Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, recibe un alto reconocimiento por sus actuaciones como solista, recitales y grabaciones. Igualmente desenvuelto en los estilos clásicos y populares, Flores trae a sus cautivadoras interpretaciones una gran energía matizada por los más hermosos colores instrumentales.

Como solista, ha actuado con la Filarmónica de Kiev, la Camerata de San Petesburgo, el Ensamble Orquestal de París, la Orchestre de la Garde Républicaine, la Orquesta NHK de Japón, la Sinfónica de Tokio, la Filarmónica de Osaka, y la Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, entre otras orquestas. Ha dado recitales en salas como el Carnegie Hall de Nueva York, la Sala Pleyel de París, y la Opera City de Tokio. Como miembro fundador del Quinteto de Metales Simón Bolívar, ha participado en numerosas giras por Europa, Suramérica, Estados Unidos, y Japón.

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Portada del primer disco de Pacho Flores en Deutsche Grammophon

Experimentado músico orquestal, Flores se ha desempeñado como primera trompeta de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, la Orquesta Saito Kinen de Japón, y la Sinfónica de Miami, bajo la dirección de los maestros Claudio Abbado, Sir Simon Rattle, Seiji Ozawa, Giusseppe Sinopoli, Rafael Frübeck de Burgos, Eduardo Marturet y Gustavo Dudamel, entre otros. Director fundador de la Academia Latinoamericana de Trompeta en Venezuela, cultiva a una prometedora generación de jóvenes talentos y es invitado frecuente de los conservatorios de Finlandia, España, Francia, Japón y Latinoamérica, así como también invitado como jurado permanente en prestigiosos concursos Internacionales. 

Flores es un ávido promotor de la música contemporánea y trae importantes aportaciones tanto a la ejecución como la interpretación de su instrumento. Su repertorio incluye encargos y estrenos de obras de compositores como Roger Boutry, Efraín Oscher, Giancarlo Castro, Santiago Báez, Juan Carlos Nuñez y Sergio Bernal. Su primer Álbum Discográfico “La trompeta Venezolana” ha sido lanzado por el Sello GUATACA Producciones.

Artista de la Casa Stomvi, toca instrumentos fabricados exclusivamente para él por esta prestigiosa firma y participa activamente en los desarrollos e innovaciones de sus instrumentos. Pacho Flores es artista exclusivo de Deutsche Grammophon y está produciendo con este famoso sello una serie de grabaciones representativas de sus abundantes y variadas inquietudes musicales.

Hernández-Silva se despide de la OJA

Hernández-Silva se despide de la OJA

Manuel Hernández-Silva afronta este próximo lunes, 17 de Abril, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, su último concierto al frente de la Orquesta Joven de Andalucía como Director Musical, con un programa que incluye la Suite del ballet Estancia, de Ginastera, Danzas Fantásticas, de Turina, y Obertura Cubana y Un Americano en París de Gershwin. 

Renovación en Málaga

En una intensa semana en que se hizo pública su renovación como Director Musical y Artístico de la Orquesta Filarmónica de Málaga hasta 2020, y en la que dirigió dos conciertos del Requiem de Brahms con Juanita Lascarro y Thomas Laske, la Junta de Andalucía ofreció una rueda de prensa para anunciar el final de etapa de Hernández-Silva como Director Musical de la OJA. Hernández-Silva ha expresado su profundo agradecimiento a todos los responsables de la joven orquesta por la confianza depositada en él y por la oportunidad que se le dio de desarrollar una de las tareas que le resulta más grata como es trabajar con los jóvenes. “La OJA -ha comentado- ha sido una de las experiencias más reconfortantes y hermosas de mi vida profesional.” A pesar de ello, entiende que es el momento de cerrar esta etapa y dar paso a nuevos proyectos que continúen contribuyendo al desarrollo artístico de la Joven Orquesta. A continuación Hernández-Silva vuelve a la Filarmónica de Málaga para dirigir al virtuoso violinista Svetlin Roussev interpretando la Sinfonía Española de Lalo en dos conciertos en el Teatro Cervantes y otro en el Villamarta de Jerez.

 

 

Jonathan Webb con la Real Filharmonía de Galicia

Jonathan Webb con la Real Filharmonía de Galicia

Jonathan Webb cumple su segunda semana de temporada al frente de la Real Filharmonía de Galicia en su condición de Principal Director Invitado de la formación gallega. Para esta ocasión la orquesta y el maestro Webb han elegido un programa que incluye Les Illuminations, de Benjamin Britten, una de las especialidades del maestro británico, que contará como solista con el tenor Sam Furness, protagonista de la ópera Albert Herring, del mismo Britten, que tan excelentes críticas les reportó a ambos la pasada primavera en el Maggio Musicale Fiorentino. En la segunda parte interpretarán la Sinfonía nº 10 de Dmitri Shostakovich. Los conciertos tendrán lugar los días 6 y 7 de Abril en Santiago y Vigo.

Jonathan Webb

Ha estudiado piano, violín, canto coral y dirección de orquesta en Manchester, donde debutó en el Teatro de Ópera con West Side Story. Llamado por Gary Bertini al Teatro de Ópera de Tel Aviv como director estable, ha dirigido numerosas nuevas producciones como Der Freischütz, Tosca, Madama Butterfly, Macbeth, Samson et Dalila, La Juive, Faust, Cenerentola, L’Italiana in Algeri, L’elisir d’amore, Lucia di Lammermoor, Jenufa o La zorrita astuta. Es invitado en numerosos teatros en toda Europa y colabora habitualmente con las más importantes teatros italianos, recientemente el Maggio Musicale Fiorentino, el Teatro Comunale di Bologna, o la Sagra Musicale Umbra en Perugia. Director invitado del Teatro Sao Carlos de Lisboa donde ha dirigido Eine Florentinische Tragödie, The Miserly Night, Il Barbiere di Siviglia, La Navarraise, Cavelleria Rusticana; en Sevilla The Rape of Lucretia; en Marsella The Saint of Bleeker Street; en Niza L’Histoire du Soldat; en Dublín Le Nozze di Figaro, Falstaff; o en Tenerife The Turn of the Screw. Ha dirigido en la Deutsche Oper de Berlín: Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny, La forza del destino, Carmen; en la Volksoper de Viena: Don Pasquale, Der Zigeunerbaron, Die Zauberflöte; o en Colonia La Traviata. Invitado por Valery Gergiev ha dirigido Lady Macbeth def Mtsensk en una coproducción entre la Kirov Opera y la New Israeli Opera.

Jonathan Webb dirige Albert Herring en Florencia

Imagen de la representación de Albert Herring en Florencia dirigida por Jonathan Webb y con Sam Furness en el rol titular

Jonathan Webb ha dirigido numerosas óperas de Britten: The Rape of Lucretia en el Maggio Musicale Fiorentino; The turn of the Screw en el Comunale de Bolonia y en el Petruzzelli de Bari; The Rape of Lucretia, Peter Grimes y Billy Bud en el Carlo Felice de Genova; A Midsummer Night’s Dream en Bari, Pisa, Livorno y Lucca, Curlew River (Sagra Musicale Umbra). En el San Carlo de Nápoles Elegy for Young Lovers de Henze y Così fan tutte di Mozart; en la Fenice Tancredi Elegy for Young Lovers; en el Massimo de Palermo Orfeo de Gluck; en Verona Le nozze di Figaro, Don Giovanni, Così fan tutte; en Trento Die Entführung aus dem Serail; en Ferrara y Modena The Death of Klinghoffer de Adams; en Livorno y Modena Cavalleria Rusticana y Pagliacci. También se ha prodigado mucho en Ravenna, Reggio Emilia y en los Teatri della Toscana (Traviata, Falstaff, Acis and Galatea). Y ha colaborado con importantes directores de escena como Daniele Abbado, Götz Friedrich, Hugo de Ana, Robert Carsen, Graham Vick, Pier Luigi Pizzi, Denis Krief, David Pountney, David Alden, Chiara Muti, Andrea De Rosa.

Ha dirigido la Orchestra de Santa Cecilia a Roma con The Kings Singers, la Camerata Strumentale di Prato, la Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino en Florencia con ocasión del 70 cumpleaños de Henze. Ha sido también varias veces invitado por la Orquesta Sinfonica de Galicia y la Real Filharmonia de Galicia. En Israel ha dirigido la Jerusalem Symphony Orchestra, Israel Sinfonietta, Israel Chamber Orchestra. Ha collaborado con numerosos solistas como Shlomo Mintz, Vadim Repin, Fazil Say, Arabella Steinbacher, Louis Lortie, Alexander Toradze y un largo etcétera. Ha sido invitado por numerosos festivales como Caesarea, A Coruña, Wexford, Caracalla, Settembre Musica con l’Orchestra della RAI di Torino e il Liturgica Festival de Jerusalem. Fue invitado por Seiji Ozawa al Saito Kinen Festival en Japón y ha dirigido la orquesta y ensembles del festival en gira por Japón y China. Le gusta trabajar con jóvenes y ha dirigido la Orchestra Giovanile Italiana di Fiesole, la Young Israel Philharmonic Orchestra, Orchestra e Coro Giovanile di Santa Cecilia con Oedipus in Kolonus (con motivo de la celebración de «Colosseo 2000» con la ejecución de un concierto en el Coliseo de roma por primera vez en 1.500 años) Ha recibido el «Premio Internazionale Ultimo 900 Pisa 2000 Nel Mondo» en Noviembre de 2004). Desde Septiembre de 2014 es director musical de la Camerata Strumentale «Città di Prato», orquesta con la que colabora regularmente desde 2002.

 

Enrico Onofri con la Sinfónica de Sevilla

Enrico Onofri con la Sinfónica de Sevilla

Tras visitar a tres formaciones con las que mantiene una estrecha relación, la Orquesta Sinfónica de Bochum; la Orquesta Barroca de Sevilla -dentro de la programación del Festival de Música Antigua de Sevilla– y la Kammerakademie PotsdamEnrico Onofri regresa a España para ponerse, en esta ocasión, al frente de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, los días 6 y 7 de Abril, donde dirigirá obras concertantes de Vaughan Williams y Tomasi, y la versión de orquesta de Las Siete Últimas Palabras de Cristo en la Cruz, de Haydn, en el Teatro de la Maestranza. Tras varios conciertos por América y Europa, en verano se le podrá ver de nuevo en España en el Festival de Música Antigua dels Pirineus con su grupo Imaginarium Ensemble.

Enrico Onofri

Nacido en Rávena, su carrera comienza con una invitación de Jordi Savall para ser concertino de La Capella Real. Desde entonces ha tocado con ensembles como el Concentus Musicus Wien, el Ensemble Mosaics o el Concerto Italiano, siendo concetrtino y solista de Il Giardino Armonico desde 1987 a 2010. En 2002 debuta como director con gran éxito y aplauso de la crítica, siendo desde entonces invitado a dirigir ensembles y orquestas por toda Europa, Japón y América. Entre 2005 y 2013 es director principal de Divino Sospiro, ensemble residente del Centro Cultural de Belém en Lisboa, año en que crea el ensemble Imaginarium para interpretar el repertorio barroco italiano.

Actúa en los auditorios más importantes del mundo como el Musikverein y Konzerthaus de Vienna, Mozarteum de Salzburgo, Philarmonie y Unter den Linden Operahouse en Berlín, Alte Oper en Frankfurt, Concertgebouw en Amsterdam, Teatro San Carlo en Nápoles, Carnegie Hall y Lincoln Center en Nueva York, Wigmore Hall y Barbican Hall en Londres, Tonhalle de Zurich, Théâtre des Champs-Elysées y Théâtre du Châtelet en París, Auditorio Nacional en Madrid, Oji Hall en Tokio, Osaka Symphony Hall, Colón de Buenos Aires; y con artistas como Nikolaus Harnoncourt, Gustav Leonhardt, Christophe Coin, Cecilia Bartoli o Katia and Marielle Labèque.

En la temporada 2012/13 dirige la orquesta de la Ópera de Lyon e inmediatamente es invitado a dirigir otro concierto la temporada siguiente y Orfeo y Eurídice de Gluck en 2015. Dirige tambiénuna serie de conciertos con la Kammerorchester Basel, que le vuelve a invitar para dirigir una gira y grabaciones discográficas. Dirige habitualmente a la Orquesta Barroca de Sevilla, Camerata Bern, Festival Strings Lucerne, Orchestra Ensemble Kanazawa, Cipango Consort de Tokyo y orquestas como la Real Orquesta Sinfonica de Sevilla, Orchestre d’Auvergne, Orchestre de l’Opéra de Lyon, Kammerorchester Basel.  Fue artista residente del Ambronay Festival 2014.

Muchas de sus grabaciones con Teldec, Decca, Naïve, Astrée, Deutsche Harmonia Mundi/Sony, Passacaille,Winter & Winter, Virgin, Opus111, Zig Zag Territoireset Nichion han recibido prestigiosos galardones internacionales como Gramophone Award, Grand Prix des discophiles, Echo Deutsche Schallplattenpreis, Premio Caecilia, Premio Fondazione Cini of Venice, La Nouvelle Académie du Disque y numerosos Diapason d’Or, Choc de la Musique, 10 Répertoire. Desde 2000 es profesor de violín barroco e interpretación de música barroca en el Conservatorio Bellini de Palermo y es invitado regularmente a ofrecer máster clases en Italia, Japón y Europa, recientemente ha sido invitado por la Julliard School de Nueva York.

Thomas Laske con la Filarmónica de Málaga

Thomas Laske con la Filarmónica de Málaga

Tras una exitosa gira por España con la Misa en Si menor de Bach junto al Windsbacher Knabenchor y la Akademie für Alte Musik Berlin bajo la dirección de Martin Lehmann, Thomas Laske se encuentra ya en Andalucía para unirse a la Orquesta Filarmónica de Málaga y Juanita Lascarro, con los que cantará Ein Deutsches Requiem de Johannes Brahms bajo la dirección de Manuel Hernández-Silva, en el que será el primer concierto del maestro hispano-venezolano tras hacerse pública su renovación de contrato con la orquesta malagueña. Serán en el Teatro Cervantes los días 6 y 7 de Abril. A estos dos conciertos le sigue un intenso calendario en que el barítono alemán cantará obras como la Pasión según San Juan y Cantatas de Bach, Creación de Haydn o Elías de Mendelssohn. 

Thomas Laske

Thomas Laske nació en Stuttgart y recibió su primera formación como cantante como miembro del Stuttgarter Hymnus-Chorknaben. Se graduó como ingeniero audiovisual en 1996, al tiempo que estudiaba canto con Brigitte Dürrler e interpretación de Lied con Ria Goetze en Dusseldorf. Estudió también con Andreas Schmidt y Otto Edelmann. En 1997 ganó los primeros premios en el Concurso Richard Strauss en Múnich y en el Concurso Schmolz-Bickenbach en Düsseldorf.

En el ámbito del concierto ha actuado con directores como Karl-Friedrich Beringer, Georg Christoph Biller, Riccardo Chailly, Mariss Jansons, Peter Neumann, Krysztof Penderecki, Hellmuth Rilling o Wolfgang Sawallisch; y formaciones como Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Gewandhausorchester Leipzig, Orchestra Sinfonica di  Milano Giuseppe Verdi, St. Petersburg Philharmonic, Thomanerchor Leipzig y Windsbacher Knabenchor. Realizó conciertos en Bélgica, Dinamarca, Francia, Gran Bretaña, Italia, Austria, Rusia, España, Países  Bajos, Suiza o la República Checa. Varias grabaciones de Radio y en CD dan fe de su trayectoria, la última de las cuales es la Pasión según San Mateo de Bach con el Thomanerchor y la Gewandhausorchester de Leipzig.

Su carrera operística se inició como miembro del Opera Estudio de la Deutsche Oper am Rhein Dusseldorf-Duisburg. Entre 1999 y 2001 formó parte de la compañía del Schiller Theater North Rhine-Westphalia Gelsenkirchen/Wuppertal. Desde entonces ha cantado en la Bayerische Staatsoper de Múnich, Deutsche Oper Berlin, Oper Frankfurt/Main y Deutsche Oper am Rhein Dusseldorf. Su repertorio incluye Barbiere, Conte Almaviva, Don Giovanni, Guglielmo, Eugene Onegin, Sharpless y Valentin, entre otros.

Hernández-Silva prorroga su contrato con la OFM hasta 2020

Hernández-Silva prorroga su contrato con la OFM hasta 2020

Manuel Hernández-Silva prolonga su contrato como Director Titular y Artístico de la Orquesta Filarmónica de Málaga.

El maestro Manuel Hernández Silva renueva su contrato con la OFM hasta el 30 de junio de 2020. 

El pasado mes de Diciembre de 2016, la Orquesta Filarmónica de Málaga, participada por el Excmo. Ayuntamiento de Málaga y la Junta de Andalucía, decidió, por unanimidad de su Junta General, renovar el contrato del maestro Manuel Hernández-Silva como Director Titular y Artístico.

Hernández-Silva accedió al cargo en Septiembre de 2014 y tenía contrato en vigor hasta Junio de 2018, pero las autoridades han decidido su renovación mucho antes del vencimiento “por el gran nivel artístico que ha alcanzado la Orquesta, por su especial conexión con el público así como la vitalidad y entusiasmo que transmite tanto al público como a los profesores de la Orquesta en todas sus actuaciones públicas”. 

El permanente reflejo en la prensa de la progresión de la calidad de la orquesta, así como el nuevo marco de relaciones con otros agentes culturales de la ciudad y de la comunidad autónoma, han convencido a la dirección de la institución de la necesidad de una “renovación con la que esperamos continuar con la estabilidad artística propiciada desde la llegada del maestro Manuel Hernández-Silva, así como, seguir creciendo en proyectos artísticos bajo su titularidad”.

El Maestro Hernández-Silva fue también Director Titular y Artístico de la Orquesta de Córdoba, de la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, de la Orquesta Joven de Andalucía, y Director Principal de la Orquesta Simón Bolívar de Venezuela. En la actualidad dirige asiduamente orquestas españolas e internacionales.

 

 

Magníficas críticas de Ira Levin en la NY City Opera

Magníficas críticas de Ira Levin en la NY City Opera

A continuación reproducimos algunos fragmentos destacados de las excelentes críticas recibidas por Ira Levin en el re-estreno de La campana sommersa, de Ottorino Respighi, en la New York City Opera, 88 años después de su estreno en la ciudad.

 

“A los mandos de todo este entramado, el director Ira Levin supo poner orden y concierto a una orquesta reforzada por músicos del Teatro Lirico de Caglari. Dada la gran orquestación de la obra y las limitadas dimensiones del Rose Theater, la dirección primó el control orquestal sobre la exuberancia de la partitura. En cualquier caso, el sentido narrativo fue excelente con continuos contrastes entre las diversas escenas, y supo mantener la tensión necesaria que requiere Respighi. Su labor, al igual que la del resto del elenco, fue muy aplaudida y la representación es un nuevo éxito a apuntar a la New York City Opera, que desde su “vuelta a la vida”, cuenta sus propuestas por éxitos.”

Pedro J. Lapeña Rey, Codalario

 

“Much of the credit for the powerful impact of Friday night’s performance was due to Ira Levin, who conducted the combined NYCO Orchestra and Italy’s L’Orchestra del Teatro Lirico di Cagliari with lushness and maximum impact. Levin led the 70-player ensemble with technical assurance and astute attention to the composer’s contrasts.”

Bruce Hodges, The New York Classical Review

 

“A melding of orchestras, New York and Cagliari, under Ira Levin, made Respighi’s intricate, experimental sound seem bigger than it was without ever drowning the impressive clarity of the singers. It was, especially for an unfamiliar score on an opening night, a seamlessly well-ordered performance. One hopes the revived NYCO will build on such sure and fascinatingly unfamiliar foundations.”

John Yohalem, Parterre.com

 

Rautendelein (Brandie Sutton) and the creatures of the forest in La Campana Sommersa. Sarah Shatz

 

“The orchestra […] played this ornate score with easy virtuosity under the baton of conductor Ira Levin, even managing to create a warm, enveloping sound in the acoustically dry Rose Theater.”

James Jorden, The Observer 

 

“The conductor, Ira Levin, drew out the lush orchestral colors and vivid evocations — of prancing elves and such — that course through the work.”

Anthony Tommasini, The New York Times

“Finally conductor Ira Levin kept his baton firmly on his orchestra and his singers. It is a difficult score, moving between grand opera and Respighi’s dream imagery, yet is was accomplished without lagging, without a moment which wasn’t interesting.”

Harry Rolnick, Concerto.net

 

 

Magnífica crítica de Hernández-Silva y Coeytaux con la RFG

Magnífica crítica de Hernández-Silva y Coeytaux con la RFG

Bienvenidas renovadas

Santiago de Compostela, jueves 23 de marzo de 2017. Auditorio de Galicia. Amaury Coeytaux, violín. Real Filharmonía de Galicia. Manuel Hernández-Silva, director. Edvard Grieg: Sinfonía en Do menor. Piotr Illich Chaikovski: Concierto para violín en Re mayor, op. 35. Asistencia: 95%.

Cada vez que el hispanovenezolano Manuel Hernández-Silva (Caracas, 1962) viene a dirigir la Real Filharmonía hay motivo de alegría. Él conoce la fórmula para hacer que la orquesta toque con entusiasmo, y a la vez que ese entusiasmo nunca ensucie el sonido; además siempre propone cosas nuevas, aunque la pieza en atriles sea archiconocida. En esta ocasión, por contra, la obra que abría el cartel –la Sinfonía en Do menor de Edvard Grieg- era primicia en el repertorio de la orquesta; de modo que tampoco le importó ceder el protagonismo de la noche al violinista que actuó en la segunda parte.

En las anónimas notas del programa de mano se cuenta que Grieg, tras la primera audición de la obra, previno a su editor ante cualquier posterior interpretación pública de esta Sinfonía (compuesta a los veinte años de edad). Con buen criterio, no sólo en comparación con lo que vino después, sino porque la partitura merece ser desenpolvada únicamente como curiosidad. Es cierto que Grieg cursó con aprovechamiento sus estudios en Leipzig y que aprendió el oficio escuchando a Schumann y Mendelssohn; pero la obra ni se acerca a la de esos maestros.

Los dos temas del primer tiempo desde luego apuntan maneras del lirismo que conoceremos después, pero sólo las apuntan, en medio de un desarrollo largo, tedioso y repetitivo. Los otros tres movimientos son más concisos, con el único estímulo musical de que el scherzo –algo machacón y ruidoso- se corona con una coda. La pieza fue elección de Hernández-Silva, entre otras cosas porque se ajusta a la plantilla de la Real Filharmonía, y la defendió con convicción (y sudando la gota gorda, pero la orquesta le siguió como un solo hombre), gracias a un pulso rayano en lo milagroso que no dio un solo compás por perdido.

Tampoco el francés Amaury Coeytaux (Burdeos, 1984) debutaba en el Auditorio de Galicia. Y si en ocasiones anteriores no defraudó, esta noche dejó a todo el mundo con la boca abierta. A estas alturas, a cualquier violinista que se atreva con el Concierto de Chaikovski se le da por supuesta una técnica infalible –y Coeytaux no iba a ser la excepción-, pero lo que no es normal –y menos a su edad- es que la exhiba con la madurez y el aplomo de un concertista que sabe ir más allá de la pirotecnia; además, Coeytaux presenta una afinación absolutamente impecable (por algo sirve como concertino en la Orquesta Filarmónica de Radio Francia) y la rara cualidad solista de saber escuchar a la orquesta que le acompaña (ahí está su dedicación también a la música de cámara).

Añádase a ello la naturalidad del fraseo de Coeytaux, y el irresistiblemente dulce sonido de su Guadagnini. Y la personalidad de Hernández-Silva, que no se resigna al papel de comparsa y confronta a la orquesta con el solista en los tres bien diferenciados ambientes de los movimientos de esta pieza: rotundidad y limpieza en el primer tiempo, con una orquesta brillante en sus tutti y con un Coeytaux dando los sobreagudos de la cadencia justo en el centro de la nota; un pianissimo de ensueño por ambas partes en la célebre “Canzonetta”; y un auténtico elogio de la semigarrapatea correteadora en el finale, porque Coeytaux impuso una velocidad por encima del vértigo, pero se escucharon todas y cada una de las notas (también las de los cortes consuetudinarios) tanto en el violín como en la orquesta.

¿Hace falta referir el delirio del público? Pues eso, que vuelvan pronto. Los dos.

Ira Levin dirige ‘La campana sommersa’ de Respighi en la NY City Opera

Ira Levin dirige ‘La campana sommersa’ de Respighi en la NY City Opera

Ira Levin dirigirá La campana sommersa de Ottorino Respighi en la New York City Opera los días 31 de Marzo, 1 4 y 5 de Abril. Con libreto de Claudio Guastalla, inspirado en la obra de teatro homónima del dramaturgo alemán Gerhart Hauptmann, fue estrenada en el Stadttheater de Hamburgo en 1927 en traducción alemana, pues Ricordi había rechazado publicarla, cosa que finalmente hizo el editor Bote & Bock. Llegó a Nueva York tan solo dos años después, y desde entonces no se había vuelto a representar en esta ciudad. Ahora lo hace en co-producción con la Fondazione Teatro Lirico de Cagliari.

Ira Levin

Natural de Chicago, comenzó las clases de piano a los 9 años y accedió al programa de música de la Northwestern University a los 12. Estudió con el legendario Jorge Bolet en la Indiana University, y después en el Curtis Institute of Music de Philadelphia, donde ejerció como asistente de Bolet mientras estudiaba dirección con Max Rudolf, recibía lecciones de música de cámara de Mischa Schneider y Felix Galimir, apareciendo en las funciones de Age of Anxiety de Leonard Bernstein, dirigidas por el compositor y director.

Michael Gielen lo toma como asistente en 1985 en la Frankfurt Opera, donde debutó al año siguiente con Fidelio y donde permaneció hasta 1988 cuando se convirtió en Director Principal de la Bremen Opera hasta 1996, y a continuación Director Principal en la Deutsche Oper am Rhein, Duesseldorf-Duisburg hasta 2002. Entre 1994 y 1998 fue también principal director invitado en la Kassel Opera, donde dirigió el estreno alemán de Maskarade, de Carl Nielsen. En 2002 debutó con éxito en la Semper Oper durante el Dresden Opera Festival con Tristán e Isolda en una sustitución de última hora y sin ensayos, lo que le valió ser invitado inmediatamente de nuevo para dirigir Die Frau ohne Schatten.

En 2001 asumió, hasta 2005, la dirección musical y artística del Teatro y la Orquesta de Sao Paulo obteniendo el aplauso internacional por el trabajo realizado en apenas cuatro años. Dirigió Jenufa en 2004, el primer título de Janacek en la historia de Brasil, así como los estrenos brasileños de la Misa Glagolítica, 4ª de Shostakovich, 10ª de Mahler (Cooke), Kullervo de Sibelius, 3ª y 5ª de Nielsen, Le Tragedie de Salome, de Schmitt, el Concierto para cuarteto de Schoenberg y muchos otros títulos clásicos y modernos. En noviembre de 2004 Ira Levin y la Orchestra de Sao Paulo ganaron el Premio Carlos Gomes para la mejor orquesta de Brasil. Entre 2007 y 2010 fue director musical y artístico del Teatro Nacional de Brasil, en Brasilia, con cuya orquesta realizó giras internacionales y puso en marcha uno de los programas didácticos más aplaudidos de Latinoamérica con más de 45.000 estudiantes.

Desde 2013 es Principal Director Invitado del Teatro Colón de Buenos Aires donde hizo su debut con Lohengrin en 2011, fue reinvitado en 2012 para dirigir la primera representación americana del Oedipe de Enescu y donde desde entonces dirige varios títulos de ópera y conciertos sinfónicos cada año. 2013 también fue el año de su debut en la Sala Filarmónica de Berín dirigiendo su orquestación de la Fantasía contrapuntística de Busoni y la 4ª de Schumann con la Orquesta Sinfónica de Berlín y donde aparecía también como pianista-director en el Concierto nº 14 de Mozart.

Ira Levin ha dirigido más de 1.000 funciones de más de 60 títulos de ópera, la mayor parte del repertorio sinfónico standard así como obras menos conocidas y ha trabajado con innumerables solistas, cantantes y directores de escena de prestigio internacional. Ha dirigido la Dresden Staatskapelle, Leipzig Gewandhaus, Frankfurt Museum Orchestra, Düsseldorf Symphony, Duisburg Philharmonic, Bruckner Orchestra de Linz, Badische Staatskapelle de Karlsruhe, Bremen Philharmonic, Portuguese Symphony Orchestra de Lisboa, Sinfónica del Estado de México,  National Symphony of Taiwan, Filarmónica de Buenos Aires, Dublin Opera, Montpellier Opera, Norske Opera de Oslo, Norrlands Opera de Suecia, y la Cape Town Opera.

Fue invitado por la Symphony Orchestra of the Norrlands Opera en 2008 para dirigir la primera grabación mundial de la primera edición de 1899 de la 6ª sinfonía de Bruckner, editada en 2009 por el sello Lindoro que obtuvo encendidas críticas, incluidas las de algunos de los más destacados expertos internacionales en Bruckner. Igualmente ese año 2011 se llevó a cabo la primera grabación de la primera edición de la 2ª sinfonía de Bruckner con la misma formación.

Completísimo pianista, Ira Levin fue el ganador del Primer Premio del American National Chopin Competition en 1980. Ha actuado en EEUU, Latinoamérica y Europa, y continúa apareciendo en recital y concierto, a menudo dirigiendo desde el teclado, como en Lucerna, donde dirigió y tocó el monumental concierto de Busoni. O cuando tras una cancelación con muy poca antelación tocó y dirigió de memoria el concierto No.2 de Brahms en Brasilia. Su disco, Ira Levin piano transcriptions, también en Lindoro, obtuvo el premio de la Revista Bravo! En Brasil como mejor CD de 2007. Un segundo disco de transcripciones se ha realizado en 2011.

La finlandesa Edition Tilli está editando todas sus transcripciones, así como las orquestaciones de la colosal Fantasia Contrappuntistica de Busoni, la Fantasia y Fuga sobre BACH de Liszt o la Variaciones y Fuga sobre un tema de Bach, de Max Reger.

 

 

María Espada con la Sinfónica de Tenerife

María Espada con la Sinfónica de Tenerife

La soprano María Espada canta Davide Penitente de Mozart con la Orquesta Sinfónica de Tenerife bajo la dirección de Víctor Pablo Pérez. Será los próximos 31 de Marzo y 1 de Abril en y el Auditorio de Tenerife y la Catedral de la Laguna, respectivamente, y serán sus compañeros la soprano Raquel Lojendio y el tenor Juan Antonio Sanabria.

María Espada

Se ha presentado en salas como Konzerthaus de Viena, Philharmoniker de Berlín, Théâtre des Champs Élysées de París, Teatro Real de Madrid, Concertgebow de Amsterdam, Auditorio Nacional de Madrid, Santa Cecilia de Roma, Vredenburg de Utrecht, Teatro del Liceo de Barcelona, Palais des Beaux Arts de Bruselas, Palau de la Música Catalana de Barcelona, L’Auditori de Barcelona, Teatro de la Zarzuela de Madrid, Maestranza de Sevilla, Kursaal de San Sebastián, Auditorio de Zaragoza, Euskalduna de Bilbao, Auditorio de Galicia, Baluarte de Pamplona, Auditorio de Cuenca, etc.

Ha cantado con directores como Frans Brüggen, Ton Koopman, Andrea Marcon, Aldo Ceccato, Jesús López Cobos, Josep Pons, Antoni Ros Marbá, Juanjo Mena, Salvador Mas, Ernest Martínez Izquierdo, Tamás Vásáry, Alberto Zedda, Diego Fasolis, Fabio Bonizzoni, Christophe Coin, Eduardo López Banzo, Giuseppe Mega, Adrian Leaper, Emil Simon, etc.

Ha colaborado con grupos y orquestas como Venice Baroque Orchester, Orchestra of the 18th century, L’Orfeo Barockorchester, I Barocchisti, Orquestas de RTVE, Al Ayre español, Orquesta Filarmónica de Munich, Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña (OBC), Ciudad de Granada, Sinfónica de Madrid, Comunidad de Madrid, de la Radio Húngara, Sinfónica de Navarra, Sinfónica de Sevilla, Filarmónica de Málaga, Ciudad de Oviedo, La Risonanza , Ricercar Consort, Barroca de Helsinki, Barroca de Sevilla, etc. Sus intervenciones en el ámbito de la música de cámara abarcan desde el barroco hasta el siglo XX y ha grabado para los sellos Harmonia Mundi y Naxos, entre otros.

Berna Perles canta Cosí fan tutte en Granada

Berna Perles canta Cosí fan tutte en Granada

Berna Perles será Fiordiligi en el Cosi fan tutte de Mozart con la Orquesta Ciudad de Granada bajo la dirección de Giancarlo Andretta los próximos 31 de Marzo y 1 de Abril en el Auditorio Manuel de Falla de Granada. Para finalizar la temporada Berna Perles estará presente en dos de las más importantes citas estivales de España, el Festival de la Cueva de Nerja al lado del gran tenor José Bros y el pianista Rubén Fernández Aguirre; y en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada.

Berna Perles, soprano

Nace en Málaga, donde obtiene el Título Superior de Canto en el Conservatorio Superior de Música de Málaga con Matrícula de Honor y Premio Extraordinario Fin de Carrera. Cursa un postgrado en el Conservatorio Santa Cecilia de Roma y completa su formación en el Opera Studio de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Amplía sus estudios en Viena con la mezzosoprano Glenys Linos. Ha recibido clases magistrales de Renata Scotto, Mirella Freni, Mariella Devia, Teresa Berganza, Monserrat Caballé, Isabel Rey y Carlos Álvarez.

Ha sido premiada en numerosos certámenes y concursos de canto:
 Primer Premio de Juventudes Musicales de España; Primer Premio de la Muestra de Jóvenes Intérpretes de Málaga
 (2009); Finalista del Concurso Internacional de Canto Manuel Ausensi
 (2010); Finalista del Concurso Internacional de Canto Villa de Colmenar Viejo; Finalista del Concorso Lirico Internazionale Umberto Giordano (2012); Tercer Premio del Concurso Internacional de Canto de Logroño (2013); Finalista del Concurso Internacional de Canto Francesc Viñas (2014); Primer Premio y Premio del Público en el XIII Concurso de Nuevas Voces de Sevilla, Semifinalista de Concurso de Canto de Portofino (2016), Ganadora del I Concurso de Ópera Mozart de Granada y Premio Ferrar Salat en el Concurso Internacional de Canto Francesc Viñas (2017).

Su trayectoria profesional le ha llevado a actuar, tanto en ópera como zarzuela y recitales líricos, en el Teatro dell’Opera y Auditorio Santa Cecilia de Roma, Konzerthaus de Viena, Teatro Comunale de Bologna, Opéra Royal de Versailles, Le pin galant de Mérignac, Palais des Festivals et Congrès de Cannes, Théâtre de Sète, Teatro Avenida de Buenos Aires, Teatros del Canal, Palau de la Música Catalana, Auditorio Nacional, Cervantes de Málaga, Principal de Zaragoza, Bretón de Logroño, Principal de Alicante, Gran Teatro de Córdoba o Manuel de Falla de Granada y ha cantado bajo la batuta de Dominique Rouis, Martin Mázik, Lorenzo Mariani, Edmon Colomer, John Axelrod o Manuel Hernández Silva y bajo la dirección escénica de Lindsay Kemp, Emilio Sagi, William Orlandi o Riccardo Canessa. Ha participado en la grabación de un CD de dúos, junto al barítono Carlos Álvarez, bajo el sello DN Records.

 

 

 

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